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miércoles, 25 de mayo de 2016

Unknown Pleasures - Joy Division

El álbum debut de Joy Division publicado en junio de 1979 es el antecedente de lo que hoy en día conocemos como rock alternativo.  

Una de las composiciones más complejas de la década de los 70’s, que se ha categorizado como un disco de culto, ha impactado a la audiencia y a una multitud de músicos (como Nirvana, Pixies, U2, etc.) gracias a la potente lírica del vocalista Ian Curtis.


Es imposible comprender esta pieza musical si no conocemos su trasfondo. Curtis, el principal compositor del grupo mancuniano, fue un ferviente admirador de Bowie, The Velvet Underground e Iggy Pop en el campo de la música, pero fuera de éste, sus mayores influencias fueron Kafka, William Burroughs, Hesse y Sartre. Epiléptico y depresivo, Ian relataba sucesos autobiográficos y atormentadores dentro de las canciones presentes en este trabajo. She´s Lost Control es el ejemplo más claro: relata cómo presenció a una chica epiléptica sufrir un ataque frente a él.

Disorder es la “presentación” de la agrupación frente al mundo. Comienza con la batería de Morris, continúa con el bajo de Peter Hook, se adhiere la guitarra de Summer y la voz de Curtis penetra en un auge instrumental.

She's Lost Control


A pesar de ser calificado como un álbum post-punk, su sonido marcó a una generación y se conformó como un pilar del alternative. El instrumente predominante es el bajo, que comúnmente da pie a los tracks y marca el ritmo de éstos. La guitarra y la batería no se quedan detrás, sin embargo, no sobresalen como se acostumbra en el rock. La voz grave de Curtis les da una tonalidad distinta a las melodía agregándoles melancolía, y en algunos casos, indiferencia.

Industrialización, sufrimiento y la deshumanización de Inglaterra fueron tópico a tocar en este disco. Oscuro e intrigante, se convirtió en un himno de la juventud en aquellos entonces. La demanda fue grande, aunque lamentablemente ha disminuido y se ha convertido en una pieza escuchada (y apreciada) sólo por melómanos.

Rápidamente el público conoció a Joy Division, gracias a su innovador y particular estilo; separándose de lo anteriormente establecido y sin ninguna influencia directa (especificamente en su sonido) fueron alabados por la crítica y marcaron una “era” musical, a pesar de su poca duración. Un año después de la publicación de este álbum, Ian Curtis se suicidó. Las causas son aún desconocidas, sin embargo se asume que sus problemas personales, su adicción a los fármacos, y su salud cada vez más agraviada debido a la gran cantidad de conciertos fueron causa de esta tragedia.


Existe una probabilidad muy grande de que a primera instancia el disco no sea de tu agrado. Es común. No es un trabajo digerible, debes dedicar un tiempo para sumergirte en las letras y su ritmo. Una vez que conoces el trasfondo y lo escuchas (e inclusive analizas) por segunda vez, te fascinará. Recomendado para adentrarte en un universo nuevo, para saber qué es música: para comprender la música de hoy, debemos conocer las composiciones de ayer.



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miércoles, 11 de mayo de 2016

El Mito de Sísifo

El Mito de Sísifo es un ensayo filosófico escrito por el argelino, de nacionalidad francesa, Albert Camus y publicado en 1942. Considerado como el magnum opus de Camus, trata dos temas en específico: el suicidio, y el absurdo. La filosofía del absurdo es planteada por el autor interrogándonos acerca el valor de la vida, aunque no se enfoca en el nacimiento de éste, sino en sus consecuencias sobre el ser. En menos de doscientas páginas, este tópico es abordado magistralmente; Analiza y ejemplifica el absurdo tanto en situaciones cotidianas, como en novelas y  trabajos de autores clásicos como Shakespeare, Dostoievski y Kafka.

Al comprender el límite racional (y empírico) del ser humano descubrimos el absurdo, como bien lo dice Camus: “[…] esta evidencia es lo absurdo. Es el divorcio entre el espíritu que desea y el mundo que decepciona, mi nostalgia de unidad, el universo disperso y la contradicción que los encadena”. Pero éste no nace únicamente ante la insignificancia del hombre frente al universo; el absurdo no obra bajo las leyes de la naturaleza y por consecuente, posee distintos métodos por los cuales se manifiesta, por lo tanto, no hay nada que le impida atrapar al hombre.

¿El absurdo nace en el interior de ser, o en el contacto de éste con el exterior? En ambos, ya que otra representación del absurdo es la confrontación de ideas dentro de uno mismo. Los sentimientos encontrados, la duda. El hombre, sin intermitencias, se halla ante lo irracional: siente el deseo de ser dichoso y obtener conocimiento, aunque comúnmente el segundo se interpone, y a su vez elimina, las posibilidades de conseguir el primero. Conocer la verdad no consiste en confirmar lo agradable que es vivir y las expectativas vinculadas a ésta.


Albert Camus
Nobel de Literatura en 1957

Lo anteriormente mencionado, sirve a modo de introducción al cuestionamiento clave del ensayo y de la filosofía en sí: juzgar si la vida vale o no la pena ser vivida. La alternativa más sencilla (y lógica) para enfrentar esta interrogante sería el suicidio, ya que lo llamado una razón para vivir es a la vez una excelente razón para morir. Pero esto no hace nada más que crear una paradoja, parafraseo a Cioran: si la vida no tiene sentido alguno, mucho menos la muerte. Si alguna frase puede sintetizar la filosofía del pesimista rumano, es esta; ahora citaré al autor de la obra: “El suicidio no es un escape del absurdo, sólo es una confirmación de éste, no es más que rendirse y negarse a buscar una salida”. No existe una respuesta correcta para esta cuestión, por lo tanto depende totalmente de la perspectiva e interpretación de cada lector. Camus nos ofrece otro escape: rebelarse, que el simple acto de vivir se convierta en una manifestación contra el absurdo.

¿Cómo nos rebelaremos? Tal cual como hipotéticamente lo hace Sísifo, explicado en la última parte de este trabajo. Sísifo ha sido castigado por los dioses, ha perdido la vista y ha sido condenado a rodar una gran roca desde la parte baja de una colina hasta la cima, lo cual es un esfuerzo muy grande y penoso. Cuando por fin cumplía con su misión, la piedra capia por su propio peso y rodaba hasta la base de la colina, Sísifo tenía que rehacer su trabajo una y otra vez, por el resto de la eternidad.  No hay trabajo más terrible que el trabajo inútil y sin esperanza.

Las condiciones bajo las cuales trabaja Sísifo representan el absurdo, la carga de nuestra existencia. El filósofo argelino hace énfasis en los instantes posteriores al descenso de Sísifo, cuando por fin ha llegado a la cima, ya que el simple hecho de llegar a ella es suficiente para llenar el corazón de un hombre, debemos imaginar a Sísifo feliz. Pero no sólo debemos imaginarlo dichoso, debemos adoptar su postura ante las circunstancias. Si el mito es trágico, es porque su protagonista tiene conciencia, reconoce que su trabajo carece de significado, El obrero actual trabaja todos los días de su vida bajo las mismas condiciones metafísicas; cualquier labor, logro o suceso mundano será polvo, en el futuro nuestras acciones y experiencias pasadas serán indiferentes y seremos víctimas de lo efímero. Esta no es una conclusión nada optimista, ya que elimina las ilusiones de la trascendencia personal. Sin embargo, para sentirnos dichosos no debemos adoptar ese enfoque hacia el futuro, sino disfrutar de las pequeñas irrelevancias del presente: ser felices por haber llegado a la cima, a pesar de tener que realizar ese arduo recorrido de nuevo. Disfrutar de esos escasos minutos de nuestra vida en los que encontramos la paz y felicidad en nuestro interior.

The Myth Of Sisyphus by Nicci Bedson

Pero esta no es una solución real a la paradoja anteriormente presentada, ahora la interrogante es: ¿Sísifo es realmente feliz? El problema renace, si se es consciente de que la vida no es más que una carga para el hombre, éste considera el suicidio, e inevitablemente volvemos al punto anterior. Normalmente quienes lo cometen están seguros del valor de la vida, aunque sus motivaciones para haber realizado ese acto no están relacionados con ninguna manifestación filosófica; por lo tanto, son víctimas de una muerte sin sentido, de una muerte absurda. En conclusión (un tanto pesimista) para ser felices debemos renunciar a la intelectualidad y a la razón. Se presenta otro inconveniente: no puede existir una sociedad ausente de la razón. Volveríamos a las cavernas y las relaciones humanas se verían alteradas. Seríamos salvajes. Aunque únicamente aparenten ser conjeturas, es inevitable vivir felices en el término literal de la palabra poseyendo un mínimo porcentaje de razón, por más bajo que éste sea. Milan Kundera escribió en la Insoportable Levedad del Ser que las preguntas verdaderamente serias son las que pueden ser formuladas hasta por los niños. Esas preguntas son las que nos agobian y nos hacen infelices. Asimismo, mencionó que el que comienza dudando de nimiedades, termina dudando de la vida misma. No hace falta ser un genio o un sabio para saber que la vida no vale la pena ser vivida, tampoco lo hace falta para saber que aun así debe ser vivida para afrontar esta realidad.

Con este ensayo, Camus se confirma como una de las grandes mentes del siglo XX, a pesar de no autodenominarse fundador, ni mucho menos pionero de la filosofía del absurdo; inclusive declara que su postulado es una recopilación de las ideas de otros pensadores. Sin lugar a dudas, el libro ideal para cuestionar tu existencia. Obligatorio para cualquier interesado en la filosofía.



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miércoles, 4 de mayo de 2016

Reseña sin spoilers: Inglourious Basterds

La sexta película escrita y dirigida por Quentin Tarantino, Inglourious Basterds (sí, con un error ortográfico en el título), es una ficción sobre la Alemania Nazi y la Segunda Guerra Mundial. El largometraje comienza presentándonos al coronel (para ser más exactos el Standartenführer) Hans Landa, interpretado por Christoph Waltz, un nazi que tiene la ocupación de perseguir judíos en Francia bajo la ocupación alemana. Landa visita una granja lechera para realizar su trabajo, entrevistando a un tal LaPadite, y cuestionándolo sobre el paradero de sus vecinos judíos. El suspenso comienza, el interrogatorio se torna cada vez más agobiante para el granjero, y así es como Tarantino logra envolvernos en la trama de su filme en tan solo veinte minutos.

Años después, observamos a un nuevo personaje, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt), reclutando a un grupo de soldados para cumplir un objetivo: matar nazis.


Un elaborado guion logra que dos historias, aparentemente independientes, se reúnan en un punto de la trama, y en un lugar en específico: un cine. A pesar de que la historia tenga  ciertas discrepancias históricas en las fechas de sucesos ocurridos realmente, esto se vuelve irrelevante en el desarrollo de la trama. La película abarca distintos géneros, inicia con suspense a lo Hitchcock; se transforma en una historia de venganza, se convierte en una película violenta; e inclusive es agregado un poco de humor negro, éste último no le resta seriedad al filme. Aproximadamente sólo el treinta por ciento de la historia está en inglés, a pesar de ser su idioma original, lo restante es hablado y narrado en francés, alemán e italiano.

El sello de Tarantino está presente: muchísima sangre, pero en este caso, totalmente justificada para representar la crueldad de la guerra; un soundtrack perfecto para cada escena y situación en la trama, no existen tiempos muertos, y la técnica narrativa es perfecta. Cada personaje es presentado de una forma ideal para conocer sus motivaciones, sus objetivos, y su personalidad. Quentin lo hace de nuevo, e incluye innumerables homenajes a otras películas, géneros y directores, en especial, al Spaghetti Western; todo esto, irónicamente, hace más original y compleja a la película. Posee todos los requisitos para ser considerada una obra maestra del séptimo arte, y quizás, un futuro clásico.

Lo mejor reside en las actuaciones, para ser más específico en la interpretación de Waltz, que nos regala una muestra de su poliglotismo al hablar durante varias escenas francés, alemán, inglés e italiano; todos ellos fluidamente y con un buen acento que nos hace creer que Waltz es en realidad un nazi. Landa se convierte en un sofisticado personaje que automáticamente (?) odiarás, y creerás que es una persona real, un alemán de carne y hueso, y olvidarás que es un actor austriaco representando un guion. Esta actuación lo hizo digno acreedor del Oscar, el Globo de Oro, la Palma de Oro, el BAFTA, y el SAG a mejor actor de reparto.



Un sneak  peak de la entrevista


En mi opinión –lo más probable es que la mayoría de los lectores discrepen de ella– es la mejor película de Tarantino, inclusive mejor que Pulp Fiction, posee una trama más original, mejores interpretaciones, y una calidad narrativa superior. Una película perfecta en todos los aspectos y ampliamente recomendable, una joya del siglo XXI.

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sábado, 30 de abril de 2016

Microrreseña: Historias de Cronopios y de Famas - Julio Cortázar

Historias de Cronopios y de Famas es una recopilación de cuentos cortos, cuya longitud aproximada es de una a tres páginas, pertenecientes a la corriente fantástica de la literatura y publicada en 1962.

Además de su peculiaridad por su surrealismo y por convertir sucesos cotidianos   –como observar las gotas desplazarse por una ventana, llorar, o subir una escalera– en microrrelatos magníficos, Julio Cortázar describe a las distintas clases sociales de su época, y sus brechas entre ellas, en la última parte del libro. Los famas representan a la burguesía, los cronopios a la clase media y a sus penosos intentos por intentar asemejarse a la alta sociedad, y por último, los esperanzas a la clase baja de la sociedad. Narraciones como Lo particular y lo universal, Viajes, entre otros, confirman esta aseveración.



El libro está dividido en cuatro partes –Manual de instrucciones, ocupaciones raras, material plástico, e historias de cronopios y de famas–  en las cuales, situaciones nacidas de la cotidianidad y el azar, son inmortalizadas por la pluma de Cortázar, satirizadas, y en ocasiones cuestionadas.

Una historia digna de resaltar, y compartir nuestras interpretaciones es la siguiente, en la cual se emplea la ironía para burlarse de lo que nosotros entendemos como un milagro, y el absurdo concepto que este término abarca:

Historia Verídica
A un señor se le caen al suelo los anteojos, que hacen un ruido terrible al chocar con las baldosas. El señor se agacha afligidísimo porque los cristales de anteojos cuestan muy caros, pero descubre con asombro que por milagro no se le han roto.
Ahora este señor se siente profundamente agradecido, y comprende que lo ocurrido vale por una advertencia amistosa, de modo que se encamina a una casa de óptica y adquiere en seguida un estuche de cuero almohadillado doble protección, a fin de curarse en salud. Una hora más tarde se le cae el estuche, y al agacharse sin mayor inquietud descubre que los anteojos se han hecho polvo. A este señor le lleva un rato comprender que los designios de la Providencia son inescrutables, y que en realidad el milagro ha ocurrido ahora.

Otros textos destacados del libro, e inclusive merecedores de ser analizados, son:
  • Fin del mundo del fin
  •  Qué tal, López
  • Pañuelos
  • Historia
  • La foto salió movida

Apto y recomendado para cualquier lector. Corto y digerible, con menos de 200 páginas, que puede leerse bajo cualquier circunstancia e invita a futuras relecturas de varios de sus microrrelatos. Ideal para conocer, e iniciarse con la obra de Cortázar. Indispensable para comprender al Boom Latinoamericano.

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domingo, 24 de abril de 2016

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars - David Bowie

En el año 1972, un joven inglés poco conocido, llamado David Robert Jones, con la publicación de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, revolucionó el transcurso de la música, al crear a un personaje andrógino, el entonces, y ahora aclamado Ziggy Stardust, que trascendió del álbum en sí, y dio reconocimiento mundial a su compositor. Además de ser el disco más icónico de la historia del glam rock y convertirse en uno de los mejores en la historia, innovó el método de realizar conciertos, con Bowie y demás intérpretes del disco –Ronson, Bolder, y Woodsmansey– caracterizados de los personajes mencionados en el trabajo más conocido  de Bowie, y considerado por algunos como su ópera prima.

Portada a cargo del fotógrafo Brian Ward


El tema principal de la obra, es la llegada de Ziggy Stardust, a la Tierra como, autodenominándose como un “Mesías del Rock”, prometiendo salvación a los habitantes de la misma, ya que en cinco años, ésta verá su fin. La narración continúa con Lady Stardust, canción en la que se habla de la admiración que éste (¿ésta?) recibe por parte del público gracias a travestirse en sus conciertos. Ziggy y su banda The Spiders from Mars, cumplen sus sueños (Star) de convertirse en estrellas del Rock, y tener a miles de fanáticos a sus pies (Hang On to Yourself). La decadencia de Ziggy comienza gracias a su ego y éste provoca que disuelve su grupo músical. Después de abandonar a sus compañeros del grupo, en Suffragette City, se describe que también abandona sus propósitos, y ahora sólo se interesa por las drogas. Nuestro personaje toca fondo y se convierte en un Rock ‘n’ Roll Suicide. Parte de la última pieza del disco está inspirada en un poema de Machado “Time takes a cigarette, puts it in your mouth, then you pull on a finger, then another finger, then the cigarette”.

Las demás canciones, no mantienen relación alguna con la historia de Ziggy, y presentan temas totalmente diferentes a ésta. Soul Love refiere a distintos tipos de amor: new love es el amor romántico, stone love es amor hacia seres queridos que han fallecido, y soul love es amor religioso.  It Ain’t Easy, composición original de Ron Davis y única canción del disco no escrita por Bowie, manifiesta las dificultades camino al estrellato.



El impacto social y cultural que impuso Bowie con éste álbum, en buena parte se debió al radical cambio de estilo, separándose de los predominantes desarrollos largos y solos de guitarras en el rock, asimismo, creó un nuevo sonido, gracias al dinamismo de la guitarra de Mick Ronson, y a influencias como The Velvet Underground, consolidando así, el glam rock. Las declaraciones, de en ese entonces Ziggy Stardust, acerca de su homosexualidad (de las que posteriormente se arrepentiría), junto sus extravagantes trajes y actuaciones en el escenario, contribuyeron a la liberación gay.


«No me sorprendió que Ziggy Stardust marcara mi carrera. Había creado una estrella plástica del rock totalmente creíble»


A pesar del reconocimiento global alcanzado con Ziggy Stardust y sus colaboradores, Bowie no se conformó; decidió separarse del grupo, al fin de un concierto en el ‘73 (sin plena anticipación a sus músicos) y únicamente siguió colaborando –por unos cuantos años– con Mick Ronson, su guitarrista de cabecera. Dejó atrás todo recuerdo de esa etapa, inclusive, su estilo cambió de nuevo, adoptando un nuevo tipo de voz. Así comenzó la consolidación de su carrera como solista, a pesar de vivir momentos difíciles, como su fuerte adicción sobre la cocaína, tuvo éxitos constantes y álbumes bien recibidos por la crítica, como Low, Heroes, Station to Station, Aladdin Sane, Lodger, y Diamond Dogs; éste último notablemente influenciado por la novela 1984 de George Orwell. Todo eso, sólo en la década de los 70’s, y sin mencionar los primeros dos discos que público en esta época de experimentación músical: The Man Who Sold The World, un pieza de hard rock, con una polémica portada (que inclusive fue censurada en Alemania y Estados Unidos) mostrando a Bowie con el cabello largo y posando un vestido, la cual no terminó por atraer al público debido a sus prejuicios; y Hunky Dory,  influenciado levemente por la filosofía de Nietzsche y el Hombre Superior, un álbum íntimo que cuenta con composiciones como Changes; Kooks, una canción de cuna dedicada a Duncan Jones, su hijo recién nacido; y la emblemática Life on Mars?, seleccionada por Neil McCormick, crítico musical de The Telegraph, como la mejor canción de todos los tiempos.

Así fue como David Bowie conquistó una década.


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viernes, 1 de abril de 2016

Reseña sin spoilers: Hamlet - Shakespeare

El día de hoy, les comparto una reseña sin spoilers de uno de los mejores libros de la literatura universal, del que probablemente ya conocen su trama (de manera superficial), ya sea porque vieron El Rey León, o alguna de sus múltiples adaptaciones.

Hamlet, de William Shakespeare es una tragedia renacentista, que también puede ser clasificada como drama filosófico, la cual nos expone a su protagonista, el príncipe Hamlet, y a sus conflictos tanto internos como externos. El conflicto principal inicia cuando el ánima del rey confiesa a su hijo que su tío Claudio, ha sido el culpable de su muerte, con la intención de quedarse con el trono. El rey pide que su muerte sea vengada.

Nuestro protagonista, entra en una crisis existencial que expresa a través de brillantes soliloquios, el más claro, es su clásico To be or not to be: Ser o no ser: he aquí el problema. Cuál es la más indigna acción del ánimo, ¿sufrir los tiros penetrantes de la fortuna injusta, u oponer los brazos ante esta torrente de calamidades y darles fin con atrevida resistencia? [...] Aquí, nuestro protagonista, reflexiona sobre el suicidio, asimismo se cuestiona si la vida posee una dignidad o ventaja sobre la muerte. Otra reflexión que vale la pena mencionar, es la que podemos encontrar en el Acto IV, Escena IX, cuando en la frontera de Dinamarca se encuentra con el Capitán del Ejército Noruego, acompañado de sus tropas, en camino a invadir Polonia: ¡De ese modo el sacrificio de veinte mil hombres y veinte mil ducados decidirá la posesión de un objeto tan frívolo! Ésa es una postema del cuerpo político, nacida de la paz y excesiva abundancia, que revienta en lo interior, sin que exteriormente se vea la razón por la que el hombre perece. Aquí Shakespeare cuestiona de forma sarcástica el sacrificio de los hombres en las múltiples guerras en la historia, las cuales han sido absurdamente «justificadas».

Hamlet and Horatio in the cemetery - Eugene Delacroix 

En la obra, a pesar de tener cerca doscientas páginas, se cuestionan innumerables temas y términos filosóficos como el suicidio, la vida y la muerte, la política, la amistad, el amor, los principios morales, la guerra, la venganza, la ambición; la religión y dios, a pesar de ser una obra renacentista. Inclusive se analizan aspectos psicológicos de los personajes, el más popular éstos es una interpretación de Freud, en la cual menciona Hamlet padece Complejo de Edipo. Hay teorías muy bien argumentadas, en las que se establece que Hamlet es homosexual y se siente atraído hacia Horacio.

Shakespeare desarrolla muy bien a sus personajes y explica sus motivaciones. Narra la obra con espléndidos diálogos e inolvidables soliloquios declamados por Hamlet. Emplea una técnica «Cervantina» al introducir una obra dentro de la obra de una manera más que justificada.

Este es un libro nos revela más preguntas que respuestas -tanto de la trama, como de la vida misma- lo cual abre la posibilidad de futuras relecturas.

El libro me atrapó desde la primera página, y se convirtió en uno de mis favoritos, debido a todo lo que se aborda en él. Una obra ampliamente recomendable, que en mi opinión, todos deberíamos leer. Siento que las palabras de esta reseña no puedan estar a la altura de tal obra de arte, sin embargo, espero que los haya animado a leer a Shakespeare.

Calificación: 10/10
Muy pocos libros están a la altura de este clásico. El conjunto formado por su trama, prosa, desarrollo de personajes, y profundidad filosófica, hacen acreedor a Hamlet de esta calificación.

Ficha Bibliográfica:
Shakespeare, William
Hamlet
Editorial: Dante Universal
Inglaterra, 1604
197 páginas