OK Computer - Radiohead

Radiohead no sólo se ha consolidado como una de las mejores bandas de la actualidad, sino como una de las más grandes en la historia del rock. Con el transcurso de los años lo han demostrado gracias a su dinámica polifonía y su impasible vanguardismo.

  El reconocimiento unánime llegó en 1997 con su tercer álbum de estudio, OK Computer. Trabajo en el cual musicalizaron doce canciones con una distinción única, y una percepción lírica nunca antes realizada en la historia de la música.

  La temática se explaya en los bretes sociales y su impacto directo en el individuo; pasando por la guerra, la corrupción, el consumismo y principalmente la tecnología, que remplaza las experiencias tangibles del día a día por entretenimiento vacuo y artificial; y concluyendo con aspectos intrapersonales y psicológicos, como la ansiedad, la depresión y la soledad.

  Thom Yorke vocaliza melancólicamente todos los temas, añadiéndoles profundidad y provocando paroxismos emocionales. La letra de éstos está inspirada principalmente en la ficción Shakespeare y Douglas Adams.

Arte del álbum por Stanley Donwood.

  Instrumentalmente el álbum no sigue ningún patrón determinado. Presenta influencias de la música clásica y electrónica; emplea desde los convencionales instrumentos del rock como las guitarras, la batería y el bajo; hasta utilizar el órgano, violines, el mellotrón, un xilófono, y sintetizadores.

  El título alude a la revolución informática y tecnológica que se presentó a mediados de los 90’s. Un nombre que hace referencia al inminente futuro y la inquietud proveniente de esta incertidumbre.

  Ejecutada por Nigel Godrich, la producción fue un trabajo muy laborioso. Basta escuchar cualquiera de los tracks para percatarse de la complexión sonora otorgada por las distintas mezclas.

  “Paranoid Android”, la segunda pieza del álbum y escrita en distintos compases, corresponde la unión de dos melodías completamente diferentes. Inicia con una guitarra acústica y una cabasa, progresando con violentos riffs y un delirante solo de Jonny Greenwood. La satírica y sombría lírica hace referencia a la novela The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy.

  “Exit Music (For a Film)” es una melancólica balada inspirada por Romeo y Julieta. La voz de Yorke se encuentra en primer plano hasta que llega a su clímax a partir de la introducción de la batería y un slide de Jonny Greenwood.

  “Let Down” corresponde a una de las canciones más complejas de la historia. Escrita en distintos compases al igual que “Paranoid Android”, y con el ritmo de “Exit Music (For a Film)”, presenta agobiantes versos sobre la depresión. Para optimizar la experiencia y percatarse de la gran producción, escúchese con audífonos.

  “Karma Police”, una de las canciones más conocida de Radiohead, sigue un ritmo marcado por el piano y acompañado por la acústica. Narra la indignación ante los inexpresivos y aquellos que se oponen al status quo.

   “Fittier Happier” es un experimento, algo que quizás no se pueda considerar una canción como tal. No sigue un ritmo, sino que una voz mecanizada redacta las estereotipadas condiciones que la sociedad establece para llevar una vida perfecta o ideal.

   “Electioneering” es el tema más pesado del álbum. Repleto de mensajes políticos correspondientes a lo que sucedía en el Reino Unido con la elección de Tony Blair. Un retrato del cinismo político.

  
  “Climbing up the Walls” es un relato sobre la paranoia y la ansiedad. Musicalizada con violines, tambores y sintetizadores, provoca perturbación y detalles futuristas. Narra una historia abierta a diversas interpretaciones.

Si somos literales, nos encontramos con un psicópata observando a su siguiente víctima; pero si vamos más allá, descubrimos que es una canción con tintes psicoanalíticos, al hacer referencias implícitas al subconsciente, el inconsciente, y al yo. Lo único que queda claro al escuchar esta canción, es que el narrador es el horror en sí.

  “No Surprises” representa a un individuo que no soporta más a la corrompida sociedad y el impacto que ésta tiene en su vida. Una canción sobre la depresión y  lo que recurrentemente significa su controversial fin: el suicidio. Un xilófono acompaña a esta melodía.

  OK Computer es acaso el disco más aclamado de toda la historia de la música. Posee una calificación perfecta en prácticamente todos los sitios de crítica especializada.

Fuente: www.albumoftheyear.org

   Además de su aguda crítica social, OK Computer es un emulador de emociones. Transmite sentimientos intensos sin llegar a ser meloso y presenta una perspectiva imparcial de la sociedad contemporánea.

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The Velvet Underground & Nico

1967 fue un gran año para la música popular. Con el Sgt. Peppers, el álbum más aclamado de The Beatles, y The Piper At The Gates Of Dawn, el primer álbum de estudio de Pink Floyd; pero un grupo se antecedió unos meses y lanzó el álbum que transformó radicalmente el estilo del rock, y de la música en sí: The Velvet Underground.

The Velvet Underground and Nico, grabado en Nueva York y financiado por Andy Warhol, comprende uno de los pilares fundamentales de la música popular. Una infinidad de artistas y agrupaciones lo mencionan como su inspiración, desde David Bowie, Joy Division y The Strokes, que denotan en sus primeros trabajos paralelismos instrumentales, hasta Brian Eno y Metallica.

Esto es por mencionar unos pocos artistas, debido a que la lírica de sus temas dejó atrás lo moralmente aceptado, y dio pie a composiciones transgresivas y obscenas, lo cual provocó que el álbum, cuyas grabaciones terminaron en el ´66, tuviera problemas con la censura y su lanzamiento se haya retrasado hasta un año. El abuso de drogas, la violencia de género, el sadomasoquismo y las desviaciones de conducta son los principales temas tratados en este álbum.

Portada del álbum diseñada por Andy Warhol

La gente normalmente rechaza lo que le parece ajeno o extraño; no trasciende de su zona de confort y prefiere estancarse antes de probar algo nuevo. El disco fue un fracaso comercial, al haber desaparecido de la noche a la mañana de las disquerías. Acaso el fuerte contenido de esta producción, su falta de similitud con la música de la época, y la negación de la radio para la reproducción de sus canciones por su violenta lírica, fueron los principales detonantes de este fracaso.

Con el paso del tiempo, el álbum se revindicó y hoy en día está considerado como uno de los mejores de la historia. Su influencia e impacto cultural han sido innegables.

Para la producción, Andy Warhol invitó a la cantante alemana Nico a realizar una colaboración. Esta decisión disgustó a los miembros del grupo, ya que Nico no tocaba ningún instrumento y su tipo de voz no era correspondiente a los versos de las canciones. Por lo cual, las tres canciones en las cuales ella es la voz principal (“Femme Fatale”, “All Tomorrow Parties” y “I’ll Be Your Mirror”) fueron adaptadas.

Todas las canciones, a excepción de “Sunday Morning” y “European Son”, fueron escritos en su totalidad por Lou Reed, principal vocalista y líder de la agrupación.

“I’m Wating for the Man” relata la historia de un hombre que se dirige al barrio de Harlem para comprarle a su dealer heroína por veintiséis dólares. La voz de Reed y la instrumentalización demuestran la ansiedad del cliente. Lou Reed declaró que todo acerca de esta canción es cierto, a excepción del precio.

“Venus In Furs” es una mezcla entra la transgresión y la psicodelia. Instrumentalmente perfecta y líricamente atormentante. Trata temas tabú como el sadomasoquismo y la esclavitud. Cruda y delirante, forzó los límites de la música. Esta canción comprende una interpretación del libro homónimo publicado en 1870 por Leopold von Sacher-Masoch.

“Heroin”, la canción más popular de la banda,  es una sórdida narración acerca de los efectos de la heroína en el cuerpo. Desde su inducción venérea, hasta su apocalíptico clímax. La canción sigue distintas escalas musicales cuyo ritmo va en aumento conforme la canción avanza.

“There She Goes Again” sigue a una mujer que huye de su novio después de sus constantes maltratos. Una serie de coros añaden un ritmo digerible y menos experimental a la composición.

“The Black’ Angel’s Death Song” es introducida con la experimental, y un tanto irritadora, viola de Cale. Da un punto de vista filosófico sobre la muerte.

Cale fue el principal aportador instrumental, al haber empleado la viola para añadir complexión a los temas, y haber coordinado a los demás músicos. A pesar de utilizar un instrumento bastante atípico para las corrientes musicales del siglo XX, añadió un toque especial a cada una de las canciones.

Aclamado actualmente tanto por la crítica y por el público en general, The Velvet Underground & Nico es un disco que todo melómano debe escuchar. Un clásico en toda la extensión de la palabra.

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Imagine - John Lennon

En 1971, un año después de la separación oficial de The Beatles, John Lennon publicó su trabajo más famoso, Imagine. El reconocimiento internacional fue debido a la canción homónima, sin embargo, muy poco se ha hablado de los demás tracks de este álbum.

En Imagine conocemos una faceta distinta de Lennon, sin embargo la instrumentalización y los tintes psicodélicos de un par de canciones recuerdan a varios sonidos ya explorados por The Beatles en Revolver y en el aclamado Sgt. Pepper.

Conocer el contexto histórico en el cual fue grabado es importante para la comprensión de la lírica. El absurdo e injustificado conflicto bélico en Vietnam se encontraba en un punto controversial debido al activismo político, al cual Lennon se incorporó posteriormente, y el polémico mandato totalitario de Nixon basado en calumnias fueron los hechos que catapultaron el lanzamiento de Imagine.

Yoko Ono, mujer con quien ex-Beatle se desposó en 1969, fue una gran inspiración para la letra de baladas como “Oh My Love”, “Jealous Guy”, y “Oh Yoko!”.

Magistrales arreglos orquestales acompañan a la mayoría de las melodías y enriquecen el álbum en su totalidad.

El álbum comienza con la melodía que da título al segundo trabajo de Lennon como solista. Un mundo utópico donde se plantea la posibilidad de una sociedad pacífica e ideal, donde a base del esfuerzo es eliminado todo lo que usualmente provoca conflictos entre los hombres, como la religión, la guerra y las posesiones. Lennon utiliza “Imagine” para promover la unión entre todos los hombres y alejarnos de la codicia y el egoísmo. Invita a reflexionar sobre la posibilidad de un mundo donde todos sean felices. El piano acompaña a la voz de Lennon, y la adición de una orquesta marca el ritmo.

“Crippled Inside”, influenciada notoriamente por el country, es un himno contra el capitalismo y todo lo que éste abarca, como el consumismo, y el dictado de la “clase dominante” en el día a día del hombre moderno. A pesar de la sombría letra, el track cuenta con el arreglo musical más optimista de todo el álbum.

“Jealous Guy” pide perdón a Yoko, aunque su relación fue uno de los romances más reconocidos del siglo XX, existió un periodo en el cual Lennon se encontraba en una espiral autodestructiva ocasionada por su frecuente consumo de drogas y alcohol. Relata sus irracionales celos, y ofrece una disculpa a Yoko, ya que él reconoce ser así.

“It’s So Hard” es la canción más corta del álbum. La brevedad de esta pieza de hard rock es prácticamente imperceptible, ya que la guitarra de Harrison acompaña las expresivas vocales que exponen las quejas y dificultadas que se impusieron a Lennon a lo largo de la vida de su vida.

“I Don’t Wanna Be a Soldier” es la canción más extensa del álbum, y a su vez es uno de los temas más representativos de Lennon, ya que contiene múltiples mensajes explícitos contra el activismo militar. La guerra es visualizada desde varios puntos de vista por personas de diversos estratos sociales, los cuales llegan a una misma conclusión sobre esta bestia que termina con vidas y naciones. Cuenta con arreglos psicodélicos.

“Gimme Some Truth” expresa la frustración de la época causada por el amarillismo, la hipocresía y el chovinismo. Al igual que otras canciones del álbum, contiene evidentes referencias políticas relacionadas a la guerra de Vietnam. La letra es una gran sátira que sintetiza la voz de la juventud de los setentas.

“Oh My Love” es otra balada dedicada a Yoko Ono. La armoniosa voz de Lennon es acompañada por su piano, y la melódica guitarra de Harrison.

“How Do You Sleep” hace referencia directa al Sgt. Pepper y cuenta con un sonido bastante psicodélico, asimismo se ironiza la carrera en The Beatles de Paul McCartney y la enemistad que ahora John dirigia hacía él.

“How?” es un tanto filosófica, ya que varios cuestionamientos planteados por Lennon son presentados con una melodía similar al tema que titula al álbum y “Jealous Guy”.

“Oh Yoko” se utiliza a modo de conclusión en el disco y, notoriamente, está dedicada a la esposa de Lennon, quien se mantuvo su lado hasta que el destacado artista inglés fue asesinado en 1980.

En Imagine John Lennon se consolidó como uno de los compositores más importantes del siglo XX, ya que además de la complexión lírica, este álbum marcó toda una generación que se opuso a la guerra y a la mentira.

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Carrie & Lowell - Sufjan Stevens

Sufjan Stevens es un músico multinstrumentalista estadounidense nacido en Detroit y criado en Michigan, cuyas experiencias retrató en el álbum folk homónimo del 2003, años incursiones un tanto experimentales en la música electrónica con The Age of Adz (2010); pero mi objetivo no es escribir acerca sus primeros trabajos, sino sobre el más reciente –y acaso el mejor– de ellos: Carrie & Lowell.

¿Qué se puede decir de este álbum? Con una intensidad emocional, y una intimidad semejante a la del célebre Hunky Dory (1972) de David Bowie, nos introduce al vasto campo de la aflicción y a lo que nunca fue.

Para que esta grabación aclamada por la crítica sea más dolora, necesitamos conocer un poco de su trasfondo. Este disco estrenado en el 2015 nació en la intromisión causada por la muerte de la madre de Stevens, con quien el compositor tuvo una relación prácticamente nula. Esta mujer sufría de bipolaridad, esquizofrenia y una fuerte adicción a las drogas. Intentó abandonar a su hijo junto a sus hermanos cuando tenía sólo un año de edad. Pocos renglones son necesarios para dar a entender que Carrie tuvo una vida trágica hasta el día de su muerte; después de este lamentable suceso en el 2012, Sufjan tuvo años de introspección, con los cuales concluyó que debió relacionarse más con su madre, esta reflexión llevó a Stevens al grado de un arrepentimiento por no haber hecho las cosas como concluyó que tuvo que realizarlas.

El otro nombre presente en el título, Lowell, corresponde al de su padrastro, quien también tiene una influencia importante en el álbum, siendo la persona más allegada a Carrie. Sus vivencias y relación con su esposa son retratadas.

Más momentos autobiográficos son presentados con melancolía en este álbum, como el día que Sufjan y sus hermanos fueron abandonados en una tienda de video, y el nacimiento de su sobrina.

Al momento de reproducir el track inicial, “Death with Dignity”, descubrimos que sólo contamos con breves segundos completamente instrumentales antes de la entrada de las vocales de Sufjan; posteriormente, los instrumentos se trasladan a segundo plano con el objetivo de apreciar la lírica del cantautor. Esta estructura se repite en cada una de las canciones, con notables variaciones sonoras.

Se utiliza una breve melodía de piano a mediados de la canción y varios sintetizadores junto a guitarras folk que presentan un ritmo tranquilo. La lírica plantea lo que es cantar para alguien que ya no está aquí, para la muerte. Un gran falsete da inicio y fin al clímax de la pieza.

“Should Have Known Better” es la canción más conocida del solista, habla sobre el arrepentimiento al cual llegó tras no haberse relacionado con su madre y relata varias experiencias autobiográficas ya comentadas al inicio de la reseña.

“No Shade in the Shadow of The Cross” es el tercer y último sencillo extraído del álbum. Aquí Stevens se redime ante Dios, refiriéndose ante Él como my only lover, al momento que se da cuenta que tan bajo lo ha hecho caer su depresión; convirtiéndose en un consumidor habitual de las drogas y apartándose de los demás.

Escribió las once canciones y tocó todos los instrumentos presentes en ellas, algo que muy pocos han hecho. El disco fue producido por Thomas Bartlett, que también perdió a un ser cercano: su hermano.

Podemos clasificar a Carrie & Lowell como indie folk, ya que la instrumentalización es muy similar a este. Un trabajo muy distinto a lo que se hace hoy en día, y a la vez, prácticamente desconocido por cualquier persona un tanto alejada de la música contemporánea.

Sin lugar a dudas, algo que vale la pena escuchar. De lo mejor que se ha hecho en la última década.

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Halcyon Digest - Deerhunter

Deerhunter es una banda de rock indie formada en Atlanta en el año 2001. Conformada por Bradford Cox, Lockett Pundt, Moses Archuleta y Joshua Fauver. Durante los quince años de su actividad profesional, han permanecido fuera de esa necesidad que atrae a tantos artistas que consiste en ser el centro de atención en ámbitos personales –véase el sonado asunto entre Kim Kardashian, Kanye West y Taylor Swift– dejando la música aparte para tener su momento de fama. Esta es quizás la causa por la cual son muy poco conocidos y su música tiene poca difusión en países fuera de los Estados Unidos (una prueba de ello: ninguno de sus álbumess o EP’s tienen artículo en es.wikipedia.org). El motivo de esta reseña, es invitar a los lectores a conocer a esta agrupación tan inusual y talentosa; por lo cual, escribo sobre un trabajo un tanto más digerible y un poco menos experimental: Halcyon Digest.

Tétrica portada del álbum

Este álbum, publicado en el 2010 es una pieza difícil de clasificar. Desde composiciones con una gran influencia en el rock psicodélico (Don’t Cry, Basement Scene), canciones con tonalidad pop (Memory Boy), y piezas semejantes al rock alternativo al mero estilo de Joy Division (Desire Lines). Esta diversidad complementa al disco y lo convierten en una pieza inolvidable y un poco extraña.

Lo único en común el conjunto de melodías es el gran pesimismo lírico transmitido por la expresiva voz de Cox. Basta con escuchar la letra de Helicopter para ver de qué hablamos:

Take my hand and pray with me

My final days in company

The devil now has come for me

And helicopters circling the scene

[…]

No one cares for me

I keep no company

I have minimal needs

And now they are through with me

También podemos apreciar Basement Scene, que relata una triste visión acerca del gran temor al olvido:

[…]

Dream, a little dream

About your friends and their endings

Now I wanna wake up, I wanna wake up

I wanna wake up now

It could be the death of me

Knowing that my friends will not remember me

I wanna get old, I wanna get old

I wanna get old

[…]

Para ser empáticos con Cox y sus composiciones, que también es guitarra principal de la banda, debemos conocer un poco de su biografía que resulta perturbadora hasta cierto punto. Nacido con el desorden genético del Síndrome de Marfan, dejó la preparatoria después del divorcio de sus padres. Actualmente luce un físico bastante enfermizo, parece padecer de anorexia o algún otro trastorno alimenticio. La muerte de su hermano lo afecto tanto que dedicó canciones como T.H.M a su difunto compañero. Miles de etiquetas lo acompañan, desde gay hasta asexual. Pero todo lo anterior, no tapan su gran talento como músico, siendo el principal compositor y vocalista de Deerhunter.

A pesar de ser músicos pocos conocidos para el consumidor de musical, la crítica los ha aclamado casi unánimemente y Halcyon Digest fue considerado como uno de los mejores álbumes del 2010.

Este quinto álbum de estudio de la agrupación estadounidense posee una impresionante calidad instrumental. Contando con guitarras, percusiones, armónicas, bajos y saxofones; cada canción logra un clímax inigualable gracias a la armonía creada bajo el conjunto de estos instrumentos. La pieza que brilla en este sector es el sexto track: Desire Lines. Aunque cabe aclarar que todas las canciones de este álbum producen una sinfonía bastante agradable para el oído, en especial cuando se escuchan con audífonos.

Ahora que hemos escuchado un fragmento de este disco corroboramos que es imposible categorizarlo dentro de algún género musical ya estandarizado. Sólo nos queda disfrutar de él.

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Unknown Pleasures - Joy Division

El álbum debut de Joy Division publicado en junio de 1979 es el antecedente de lo que hoy en día conocemos como rock alternativo.  

Una de las composiciones más complejas de la década de los 70’s, que se ha categorizado como un disco de culto, ha impactado a la audiencia y a una multitud de músicos (como Nirvana, Pixies, U2, etc.) gracias a la potente lírica del vocalista Ian Curtis.

Es imposible comprender esta pieza musical si no conocemos su trasfondo. Curtis, el principal compositor del grupo mancuniano, fue un ferviente admirador de Bowie, The Velvet Underground e Iggy Pop en el campo de la música, pero fuera de éste, sus mayores influencias fueron Kafka, William Burroughs, Hesse y Sartre. Epiléptico y depresivo, Ian relataba sucesos autobiográficos y atormentadores dentro de las canciones presentes en este trabajo. She´s Lost Control es el ejemplo más claro: relata cómo presenció a una chica epiléptica sufrir un ataque frente a él.

Disorder es la “presentación” de la agrupación frente al mundo. Comienza con la batería de Morris, continúa con el bajo de Peter Hook, se adhiere la guitarra de Summer y la voz de Curtis penetra en un auge instrumental.

She's Lost Control

A pesar de ser calificado como un álbum post-punk, su sonido marcó a una generación y se conformó como un pilar del alternative. El instrumente predominante es el bajo, que comúnmente da pie a los tracks y marca el ritmo de éstos. La guitarra y la batería no se quedan detrás, sin embargo, no sobresalen como se acostumbra en el rock. La voz grave de Curtis les da una tonalidad distinta a las melodía agregándoles melancolía, y en algunos casos, indiferencia.

Industrialización, sufrimiento y la deshumanización de Inglaterra fueron tópico a tocar en este disco. Oscuro e intrigante, se convirtió en un himno de la juventud en aquellos entonces. La demanda fue grande, aunque lamentablemente ha disminuido y se ha convertido en una pieza escuchada (y apreciada) sólo por melómanos.

Rápidamente el público conoció a Joy Division, gracias a su innovador y particular estilo; separándose de lo anteriormente establecido y sin ninguna influencia directa (especificamente en su sonido) fueron alabados por la crítica y marcaron una “era” musical, a pesar de su poca duración. Un año después de la publicación de este álbum, Ian Curtis se suicidó. Las causas son aún desconocidas, sin embargo se asume que sus problemas personales, su adicción a los fármacos, y su salud cada vez más agraviada debido a la gran cantidad de conciertos fueron causa de esta tragedia.

Existe una probabilidad muy grande de que a primera instancia el disco no sea de tu agrado. Es común. No es un trabajo digerible, debes dedicar un tiempo para sumergirte en las letras y su ritmo. Una vez que conoces el trasfondo y lo escuchas (e inclusive analizas) por segunda vez, te fascinará. Recomendado para adentrarte en un universo nuevo, para saber qué es música: para comprender la música de hoy, debemos conocer las composiciones de ayer.

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The Bends - Radiohead

Gracias al hype generado por los nuevos sencillos Burn the Witch y Daydreaming, junto a la ansiosa espera del nuevo disco de Radiohead, he decidido reseñar el día de hoy uno de sus trabajos más enigmáticos, un pilar del rock alternativo: The Bends.

El segundo álbum de estudio de Radiohead, publicado en 1995, nos presenta una de las composiciones más complejas y variadas de la agrupación británica. No se concentra en ningún tema en específico: se habla de la soledad, de la sociedad de consumo,  y de la muerte; y todos estos tópicos son interpretados con la gran voz de Yorke y la guitarra de Jonny Greenwood.

Un disco que logra que el one-hit wonder, Creep curiosamente odiado por sus propios compositores, de su álbum anterior quedara en el olvido. Aunque irónicamente, ahora la víctima del auto-veto de Radiohead fue High & Dry, una de las pistas más suaves y sencillas del este trabajo.

Las habilidades de los músicos son probadas en canciones como en Just y The Bends, donde apreciamos la gran guitarra de Jonny Greenwood; en Bones apreciamos la gran facilidad con la que Thom Yorke puede realizar el falsete; y prácticamente en todas las canciones podemos observar el buen trabajo de Phil Selway en la batería, sin dejar a un lado al bajista Colin Greenwood. Un álbum donde todos y todo destaca, desde su extravagante portada, pasando por los instrumentalistas y terminando por sus canciones: todas con  su profundidad intelectual.

Uno de los tracks más destacado es Fake Plastic Trees, una metáfora clara de la metamorfosis del hombre moderno en algo no más original que una botella de plástico; la superficialidad de las relaciones humanas; lo que es vivir en una sociedad plástica, carente de significado y víctima del consumismo. Una deprimente melodía que sólo requiere unos cuantos acordes para hacer reflexionar al melómano.

Bones, breve y curiosamente con algunas líneas inspiradoras, cuenta con un gran riff de una nota muy punzante y un estribillo de gran calidad, aunque abusa de guitarras distorsionadas, sigue siendo un buen tema que nos muestra la habilidad vocal de Yorke.

Street Spirit (Fade Out) es prácticamente un poema trágico, una canción pura y desesperanzadora. Quizás la canción más deprimente de Radiohead: un túnel oscuro sin luz al final que representa toda emoción trágica. Una melodía tan nociva que sólo el sonido puede definirla. Una visión pesimista sobre el inminente futuro de cada miembro de la humanidad. “All these things will one day swallow whole” representa a la totalidad emocional sumergiéndose. Esta canción, con un mensaje filosófico más alto de lo percibido puede ser representado con una cita de Nietszche: “Si miras directamente el abismo, el abismo también mirará directamente hacia ti”. El mismo Yorke reconoce que es una canción que él no escribió, que junto a los demás integrantes de la banda, es únicamente un mensajero, un catalizador biológico.

Sin lugar a dudas, The Bends es uno de los mejores discos de los 90’s, inclusive mejor que Nevermind. Define lo que es el rock alternativo, y antecede a trabajos más experimentales del conjunto inglés. Aclamado por la crítica y la audiencia, Radiohead se da a conocer.

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The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars - David Bowie

En el año 1972, un joven inglés poco conocido, llamado David Robert Jones, con la publicación de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, revolucionó el transcurso de la música, al crear a un personaje andrógino, el entonces, y ahora aclamado Ziggy Stardust, que trascendió del álbum en sí, y dio reconocimiento mundial a su compositor. Además de ser el disco más icónico de la historia del glam rock y convertirse en uno de los mejores en la historia, innovó el método de realizar conciertos, con Bowie y demás intérpretes del disco –Ronson, Bolder, y Woodsmansey– caracterizados de los personajes mencionados en el trabajo más conocido  de Bowie, y considerado por algunos como su ópera prima.

Portada a cargo del fotógrafo Brian Ward

El tema principal de la obra, es la llegada de Ziggy Stardust, a la Tierra como, autodenominándose como un “Mesías del Rock”, prometiendo salvación a los habitantes de la misma, ya que en cinco años, ésta verá su fin. La narración continúa con Lady Stardust, canción en la que se habla de la admiración que éste (¿ésta?) recibe por parte del público gracias a travestirse en sus conciertos. Ziggy y su banda The Spiders from Mars, cumplen sus sueños (Star) de convertirse en estrellas del Rock, y tener a miles de fanáticos a sus pies (Hang On to Yourself). La decadencia de Ziggy comienza gracias a su ego y éste provoca que disuelve su grupo músical. Después de abandonar a sus compañeros del grupo, en Suffragette City, se describe que también abandona sus propósitos, y ahora sólo se interesa por las drogas. Nuestro personaje toca fondo y se convierte en un Rock ‘n’ Roll Suicide. Parte de la última pieza del disco está inspirada en un poema de Machado “Time takes a cigarette, puts it in your mouth, then you pull on a finger, then another finger, then the cigarette”.

Las demás canciones, no mantienen relación alguna con la historia de Ziggy, y presentan temas totalmente diferentes a ésta. Soul Love refiere a distintos tipos de amor: new love es el amor romántico, stone love es amor hacia seres queridos que han fallecido, y soul love es amor religioso.  It Ain’t Easy, composición original de Ron Davis y única canción del disco no escrita por Bowie, manifiesta las dificultades camino al estrellato.

El impacto social y cultural que impuso Bowie con éste álbum, en buena parte se debió al radical cambio de estilo, separándose de los predominantes desarrollos largos y solos de guitarras en el rock, asimismo, creó un nuevo sonido, gracias al dinamismo de la guitarra de Mick Ronson, y a influencias como The Velvet Underground, consolidando así, el glam rock. Las declaraciones, de en ese entonces Ziggy Stardust, acerca de su homosexualidad (de las que posteriormente se arrepentiría), junto sus extravagantes trajes y actuaciones en el escenario, contribuyeron a la liberación gay.

«No me sorprendió que Ziggy Stardust marcara mi carrera. Había creado una estrella plástica del rock totalmente creíble»

A pesar del reconocimiento global alcanzado con Ziggy Stardust y sus colaboradores, Bowie no se conformó; decidió separarse del grupo, al fin de un concierto en el ‘73 (sin plena anticipación a sus músicos) y únicamente siguió colaborando –por unos cuantos años– con Mick Ronson, su guitarrista de cabecera. Dejó atrás todo recuerdo de esa etapa, inclusive, su estilo cambió de nuevo, adoptando un nuevo tipo de voz. Así comenzó la consolidación de su carrera como solista, a pesar de vivir momentos difíciles, como su fuerte adicción sobre la cocaína, tuvo éxitos constantes y álbumes bien recibidos por la crítica, como Low, Heroes, Station to Station, Aladdin Sane, Lodger, y Diamond Dogs; éste último notablemente influenciado por la novela 1984 de George Orwell. Todo eso, sólo en la década de los 70’s, y sin mencionar los primeros dos discos que público en esta época de experimentación músical: The Man Who Sold The World, un pieza de hard rock, con una polémica portada (que inclusive fue censurada en Alemania y Estados Unidos) mostrando a Bowie con el cabello largo y posando un vestido, la cual no terminó por atraer al público debido a sus prejuicios; y Hunky Dory,  influenciado levemente por la filosofía de Nietzsche y el Hombre Superior, un álbum íntimo que cuenta con composiciones como Changes; Kooks, una canción de cuna dedicada a Duncan Jones, su hijo recién nacido; y la emblemática Life on Mars?, seleccionada por Neil McCormick, crítico musical de The Telegraph, como la mejor canción de todos los tiempos.

Así fue como David Bowie conquistó una década.

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The Dark Side of the Moon - Pink Floyd

The Dark Side of the Moon es un álbum conceptual, de rock psicodélico, publicado en marzo de 1973. Es el segundo álbum más vendido de la historia, con un aproximado de cincuenta millones de copias vendidas alrededor del mundo, sólo detrás de Thriller de Michael Jackson.

Portada original del álbum

En sus canciones se tratan temas poco recurrentes en el mundo de la música, como el consumismo, la muerte, el envejecimiento y el deterioro mental. El álbum posee una fuerte influencia por parte de Syd Barrett, fundador y ex vocalista de la banda. Su partida se debió a una fuerte adicción a las drogas y el daño mental que éstas le produjeron a su cerebro. Este suceso marcó un antes y un después en el estilo de la banda, volcándose al uso de sintetizadores y demás herramientas e instrumentos electrónicos, dándole un toque progresivo a sus nuevas composiciones.

Si bien, es un disco bastante popular, muy pocas personas conocen a fondo lo que éste intenta transmitir.

Su canción Time, que comienza con el sonido de numerosas alarmas, nos relata –de manera un tanto filosófica– el deterioro del tiempo en nuestra vida, y cómo éste se desvanece antes de que podamos actuar al respecto, para alcanzar nuestros sueños. En la canción, hay varias líneas que nos invitan a la reflexión, algunos ejemplos son las siguientes: “No one told you when to run, you missed the starting gun”, esta metáfora nos dice que en la vida, a excepción de nosotros mismos, nadie nos dirá cuándo y cómo aprovechar el tiempo, y justo cuando pensamos en ello, ya hemos perdido demasiado. “Waiting for someone or something to show you the way” nos confirma lo anteriormente mencionado, acerca de que no encontraremos a nadie que nos indique cuándo dejar de malgastar el tiempo. En el momento de la canción cuando escuchamos “You are young and life is long, and there is time to kill today”, se muestra una falta de preocupación (o de importancia) en nosotros, acerca del tema tratado en la canción, ya que somos tan necios para creer que tenemos todo el tiempo que queramos para obrar y buscar cumplir nuestros objetivos. Más adelante, hay otra frase que confirma nuestra necedad e indiferencia ante el transcurso de los días, meses y años, en la que se escucha: “And then one day you find ten years have got behind you”. En ese momento, descubrimos se está agotando nuestro tiempo y posibilidades de actuar.

Time no es la única canción que posee un mensaje altamente filosófico en el presente álbum, The Great Gig in the Sky está altamente inspirada por la tristeza y el impedimento de la muerte. Asimismo, Brain Damage –notoriamente– habla acerca del daño y deterioro cerebral (inspirado por el caso de Syd Barrett), nos narra el comportamiento de un lunático, y cómo el narrador lentamente se convierte en uno, al igual que el personaje del inicio de la canción.

Este es un disco, que para poder disfrutar al máximo, se debe escuchar en un orden lineal, para apreciar sus perfectas transiciones. No debemos realizar ninguna otra acción, a excepción de disfrutar su innovador estilo (innovador, ya que nunca se había hecho nada similar hasta que éste apareció en 1973). Te debes dejar envolver por la música y viajar a través de sus letras. 

Integrantes de Pink Floyd

Un disco que vale la pena comprar, reflexionar acerca de su trasfondo y metáforas, al igual que comentar con los demás. Ampliamente recomendado, ya que en mi opinión, es uno de los discos más emblemáticos de la historia, debido a que revolucionó el proceso creativo y el estilo musical, no solo del rock, sino de la música en general.