RESEÑA: La La Land

     Habitualmente, las corrientes artísticas tienden a seguir la vanguardia predominante de la época en la cual la obra ha sido concebida. Esto provoca que haya considerables semejanzas entre los elementos presentes de dicho trabajo; no obstante, el resultado, junto con la influencia de sus antecesores y un gran compromiso por parte de los involucrados, puede ser mirífico. Tal es el caso de La La Land (2016), musical dirigido por Damien Chazelle y protagonizado por Emma Stone y Ryan Gosling.

     La historia sigue a Mia y Sebastian, personajes cuyos encuentros plenamente circunstanciales logran forjar una relación un tanto similar a la de Woody Allen y Diane Keaton en Annie Hall (1976). El idealizado romance de los protagonistas se ve turbado por los objetivos de cada uno de ellos; Mia, una aspirante a actriz, y Sebastian, un músico que anhela abrir su propio bar de jazz. Si bien, lo básico de la trama ha sido visto en múltiples películas, lo esencial de la historia se basa en las decisiones de los personajes y el vínculo de éstas con sus sentimientos; esto efectúa una peculiar atracción hacia la película.

     Todo lo relativo a los aspectos técnicos consigue crear una armonía visual, que en conjunto con la dirección de Chazelle, transmiten un aliento de nostalgia hacia la juventud perdida y la vida que poco a poco se desvanece sin que hayamos cumplido nuestros sueños por completo. La fotografía agrega vivacidad a la narrativa visual al utilizar una amplia gama de colores en cada una de las secuencias. La música se congrega con las escenas enriqueciendo el panorama, y las canciones son utilizadas meticulosamente, sin llegar a abusar de este recurso.

     Las emotivas interpretaciones de Stone y Gosling mantienen el ritmo de la trama, manejando con prudencia el arco argumental de los personajes y demostrando su personalidad sin recurrir a clichés cinematográficos. La química entre los protagonistas es evidente y genera simpatía hacia ellos, causando que en momentos de dualidad, el espectador mantenga opiniones subjetivas conforme a las acciones de Mia y Sebastian.

     La La Land es la redención de Hollywood, y quizás, la revitalización de los musicales; exhibe que aún es posible realizar cine comercial de calidad y llevarlo a las grandes audiencias. Asimismo, presenta añoranza hacia lo común y tradicional en una sociedad de transformaciones radicales.

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Reseña sin spoilers: Inglourious Basterds

La sexta película escrita y dirigida por Quentin Tarantino, Inglourious Basterds (sí, con un error ortográfico en el título), es una ficción sobre la Alemania Nazi y la Segunda Guerra Mundial. El largometraje comienza presentándonos al coronel (para ser más exactos el Standartenführer) Hans Landa, interpretado por Christoph Waltz, un nazi que tiene la ocupación de perseguir judíos en Francia bajo la ocupación alemana. Landa visita una granja lechera para realizar su trabajo, entrevistando a un tal LaPadite, y cuestionándolo sobre el paradero de sus vecinos judíos. El suspenso comienza, el interrogatorio se torna cada vez más agobiante para el granjero, y así es como Tarantino logra envolvernos en la trama de su filme en tan solo veinte minutos.

Años después, observamos a un nuevo personaje, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt), reclutando a un grupo de soldados para cumplir un objetivo: matar nazis.

Un elaborado guion logra que dos historias, aparentemente independientes, se reúnan en un punto de la trama, y en un lugar en específico: un cine. A pesar de que la historia tenga  ciertas discrepancias históricas en las fechas de sucesos ocurridos realmente, esto se vuelve irrelevante en el desarrollo de la trama. La película abarca distintos géneros, inicia con suspense a lo Hitchcock; se transforma en una historia de venganza, se convierte en una película violenta; e inclusive es agregado un poco de humor negro, éste último no le resta seriedad al filme. Aproximadamente sólo el treinta por ciento de la historia está en inglés, a pesar de ser su idioma original, lo restante es hablado y narrado en francés, alemán e italiano.

El sello de Tarantino está presente: muchísima sangre, pero en este caso, totalmente justificada para representar la crueldad de la guerra; un soundtrack perfecto para cada escena y situación en la trama, no existen tiempos muertos, y la técnica narrativa es perfecta. Cada personaje es presentado de una forma ideal para conocer sus motivaciones, sus objetivos, y su personalidad. Quentin lo hace de nuevo, e incluye innumerables homenajes a otras películas, géneros y directores, en especial, al Spaghetti Western; todo esto, irónicamente, hace más original y compleja a la película. Posee todos los requisitos para ser considerada una obra maestra del séptimo arte, y quizás, un futuro clásico.

Lo mejor reside en las actuaciones, para ser más específico en la interpretación de Waltz, que nos regala una muestra de su poliglotismo al hablar durante varias escenas francés, alemán, inglés e italiano; todos ellos fluidamente y con un buen acento que nos hace creer que Waltz es en realidad un nazi. Landa se convierte en un sofisticado personaje que automáticamente (?) odiarás, y creerás que es una persona real, un alemán de carne y hueso, y olvidarás que es un actor austriaco representando un guion. Esta actuación lo hizo digno acreedor del Oscar, el Globo de Oro, la Palma de Oro, el BAFTA, y el SAG a mejor actor de reparto.

Un sneak  peak de la entrevista

En mi opinión –lo más probable es que la mayoría de los lectores discrepen de ella– es la mejor película de Tarantino, inclusive mejor que Pulp Fiction, posee una trama más original, mejores interpretaciones, y una calidad narrativa superior. Una película perfecta en todos los aspectos y ampliamente recomendable, una joya del siglo XXI.

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Reseña sin spoilers: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia), es una película de humor negro, con tintes filosóficos, estrenada en el 2014 y dirigida, por Alejandro G. Iñárritu. La producción cuenta con las interpretaciones de Michael Keaton, Edward Norton, Emma Stone, y la cinematografía del Chivo Lubezki. La película obtuvo nueve nominaciones en los premios Oscar, aunque finalmente, sólo fue acreedora de cuatro de ellos: mejor película, mejor fotografía, mejor guion original y mejor dirección.

La película, filmada con un particular estilo, en el cual no se aprecian los cortes de escena –salvo una excepción–, y nos da una ilusión de que ha sido filmada en sólo dos tomas, nos cuenta el ambicioso proyecto de Riggan, (Michael Keaton), producir, dirigir y protagonizar una obra de teatro independiente. Riggan es atormentado por la fama y la crítica, después de filmar las exitosas películas sobre el superhéroe Birdman, y no poder seguir trabajando sin que se le relacione con este personaje. Esta es una referencia explícita a la carrera de Michael Keaton, que después de haber interpretado a Batman, quedó en el olvido, su carrera parecía haber terminado, pocas películas y no muy exitosas, hasta que llegó Iñárritu, y lo hizo interpretar algo que él conoció a la perfección, la decadencia.

Riggan, con la ayuda de una de sus actrices, contrata al célebre actor de método Mike (Edward Norton), a pesar de su talento, se convierte en otro problema para nuestro debido a su mal carácter y arrogancia. Mientras la trama va avanzando, la cantidad de problemas aumentan, cada preestreno de la obra es un absoluto desastre, hace que nos preocupemos por el estreno que importa y la crítica. Sam (Emma Stone), la hija de Riggan recae en su adicción a las drogas, se enamora de Mike, y su relación con su padre y los demás es cada vez más turbia. Para empeorar todo, la voz de Birdman (su álter ego, inclusive, podríamos decir que es su subconsciente) lo acosa e intenta controlarlo.

El guion es bastante elaborado, incluso, algo complejo, podemos observar espejismos del protagonista y saltos temporales. Se tratan temas poco recurrentes en el mundo del cine, como la decadencia artística, la fama, el suicidio, la egolatría, la trascendencia humana y artística, etcétera.

Aunque se manejen tópicos bastante serios, el filme no pierde su gracia, un humor oscuro y lleno de referencias a la cultura popular. Este humor no raya en lo absurdo, ni intenta hacer bromas de pastelazo, todos los diálogos en los que se emplea éste, son justificados y no temen sorprender al espectador.

Las actuaciones, magníficas. Los actores tienen química, y  logran transmitirnos los sentimientos de los personajes de sus respectivos personajes, nos hacen estar nerviosos y emocionados por el estreno de la obra, nos invitan a reflexionar sobre nuestra trascendencia y vanidad, tal como Emma Stone lo hace en esta escena:

Una película que no es apta para cualquiera, si el título de ésta, te hace creer que verás acción o a un superhéroe combatiendo el mal, no la deberías ver. Recomendada para quienes quieren reflexionar y mirar un futuro clásico del séptimo arte. Digna ganadora del Oscar a mejor película; la combinación Iñárritu-Lubezki convirtió lo que pudo ser una buena película en algo excelente. Desde mi punto de vista, no hay puntos negativos en el filme, una respetable dedicación y paciencia por parte de sus productores hizo posible Birdman.

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