The Velvet Underground & Nico

1967 fue un gran año para la música popular. Con el Sgt. Peppers, el álbum más aclamado de The Beatles, y The Piper At The Gates Of Dawn, el primer álbum de estudio de Pink Floyd; pero un grupo se antecedió unos meses y lanzó el álbum que transformó radicalmente el estilo del rock, y de la música en sí: The Velvet Underground.

The Velvet Underground and Nico, grabado en Nueva York y financiado por Andy Warhol, comprende uno de los pilares fundamentales de la música popular. Una infinidad de artistas y agrupaciones lo mencionan como su inspiración, desde David Bowie, Joy Division y The Strokes, que denotan en sus primeros trabajos paralelismos instrumentales, hasta Brian Eno y Metallica.

Esto es por mencionar unos pocos artistas, debido a que la lírica de sus temas dejó atrás lo moralmente aceptado, y dio pie a composiciones transgresivas y obscenas, lo cual provocó que el álbum, cuyas grabaciones terminaron en el ´66, tuviera problemas con la censura y su lanzamiento se haya retrasado hasta un año. El abuso de drogas, la violencia de género, el sadomasoquismo y las desviaciones de conducta son los principales temas tratados en este álbum.

Portada del álbum diseñada por Andy Warhol

La gente normalmente rechaza lo que le parece ajeno o extraño; no trasciende de su zona de confort y prefiere estancarse antes de probar algo nuevo. El disco fue un fracaso comercial, al haber desaparecido de la noche a la mañana de las disquerías. Acaso el fuerte contenido de esta producción, su falta de similitud con la música de la época, y la negación de la radio para la reproducción de sus canciones por su violenta lírica, fueron los principales detonantes de este fracaso.

Con el paso del tiempo, el álbum se revindicó y hoy en día está considerado como uno de los mejores de la historia. Su influencia e impacto cultural han sido innegables.

Para la producción, Andy Warhol invitó a la cantante alemana Nico a realizar una colaboración. Esta decisión disgustó a los miembros del grupo, ya que Nico no tocaba ningún instrumento y su tipo de voz no era correspondiente a los versos de las canciones. Por lo cual, las tres canciones en las cuales ella es la voz principal (“Femme Fatale”, “All Tomorrow Parties” y “I’ll Be Your Mirror”) fueron adaptadas.

Todas las canciones, a excepción de “Sunday Morning” y “European Son”, fueron escritos en su totalidad por Lou Reed, principal vocalista y líder de la agrupación.

“I’m Wating for the Man” relata la historia de un hombre que se dirige al barrio de Harlem para comprarle a su dealer heroína por veintiséis dólares. La voz de Reed y la instrumentalización demuestran la ansiedad del cliente. Lou Reed declaró que todo acerca de esta canción es cierto, a excepción del precio.

“Venus In Furs” es una mezcla entra la transgresión y la psicodelia. Instrumentalmente perfecta y líricamente atormentante. Trata temas tabú como el sadomasoquismo y la esclavitud. Cruda y delirante, forzó los límites de la música. Esta canción comprende una interpretación del libro homónimo publicado en 1870 por Leopold von Sacher-Masoch.

“Heroin”, la canción más popular de la banda,  es una sórdida narración acerca de los efectos de la heroína en el cuerpo. Desde su inducción venérea, hasta su apocalíptico clímax. La canción sigue distintas escalas musicales cuyo ritmo va en aumento conforme la canción avanza.

“There She Goes Again” sigue a una mujer que huye de su novio después de sus constantes maltratos. Una serie de coros añaden un ritmo digerible y menos experimental a la composición.

“The Black’ Angel’s Death Song” es introducida con la experimental, y un tanto irritadora, viola de Cale. Da un punto de vista filosófico sobre la muerte.

Cale fue el principal aportador instrumental, al haber empleado la viola para añadir complexión a los temas, y haber coordinado a los demás músicos. A pesar de utilizar un instrumento bastante atípico para las corrientes musicales del siglo XX, añadió un toque especial a cada una de las canciones.

Aclamado actualmente tanto por la crítica y por el público en general, The Velvet Underground & Nico es un disco que todo melómano debe escuchar. Un clásico en toda la extensión de la palabra.

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Sticky Fingers - The Rolling Stones

Los Rolling Stones son –junto a los Beatles– la banda más icónica en la historia del rock. Basta con ver los números: fundada en 1962, se consolidan la agrupación con más años activos en la historia de la música con 54 años de actividad profesional, conservando a Keith Richards (guitarra), Charlie Watts (batería) y a Mick Jagger (voz) en su formación original.  A la fecha, han vendido un estimado entre 200 y 250 millones de discos alrededor del mundo y han grabado veinticinco álbumes de estudio. El día de hoy escribo sobre uno de sus trabajos que tuvo una gran acogida por parte de la crítica y la audiencia: Sticky Fingers.

Publicado en 1971, trata los temas ya explorados por The Velvet Underground (adicciones, torturas y relaciones sexuales) y les da un enfoque distinto al utilizar pequeñas analogías y modismos en la lírica de cada uno de los tracks, sin llegar a convertirse composiciones complejas, para crear canciones pegajosas y sumamente atractivas para los aficionados de la música pop.

Portada del álbum diseñada por Andy Warhol

El undécimo álbum de los Stones cuenta por primera vez con la participación del guitarrista Mick Taylor, sustituyendo a Brian Jones. Demostró un buen trabajo al participar como guitarrista rítmico en prácticamente todas las canciones, a excepción de Sister Morphine.

El álbum es perfecto de inicio a fin. Abriendo con Brown Sugar, una pieza que comienza con un riff de Keith Richards, al que se adhiere la batería de Watts en función de crear un breve clímax instrumental para introducirnos la potente voz de Jagger. La letra es bastante escandalosa y ambigua, ya que trata temas tabúes como el sadomasoquismo y la drogadicción. Esta ambigüedad comienza desde el título, ya que Brown Sugar es un modismo para referirse a la cocaína, aunque también se puede referir a una mujer negra.

Seguimos con Sway, tema que cuenta con una voz un tanto más armoniosa de Jagger que va transformándose hasta llegar a una brutal expresión vocal para dar lugar a un solo de guitarra y concluir la canción.

Wild Horses es lo que podemos considerar como lo más relajado del álbum. Una emotiva pieza acústica con pequeños arreglos de guitarra eléctrica influenciada por la música country. Como dato curioso, quiero mencionar que un día estaba escuchando esta canción en YouTube y encontré un comentario de un individuo que relataba su intento de suicidio mientras escuchaba esta balada.

En Can’t You Hear Me Knocking encontramos hard rock con una interesante mezcla de blues. Otro gran riff por parte de Richards que es acompañado (como siempre) por la voz de Jagger, hasta que pasados casi tres minutos presenciamos una sección instrumental contando con una conga a cargo de Rocky Dijon y el saxofón de Bobby Keys. Gran trabajo que culmina con un solo Taylor, el nuevo miembro de los Stones.

Todas las canciones fueron compuestas y escritas por Mick Jagger y Keith Richards, a excepción de Sister Morphine (Marianne Faithfull, novia del vocalista en aquel entonces), y You Gotta Move, que es un cover de un tema blues escrito por Fred McDowell y Gary Davis.

A pesar de mezclar y ser inspirados por géneros ya populares en aquel entonces como el country y el blues, obtenemos una armonía sonora sensacional que sólo podemos definirla como rock and roll.

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Halcyon Digest - Deerhunter

Deerhunter es una banda de rock indie formada en Atlanta en el año 2001. Conformada por Bradford Cox, Lockett Pundt, Moses Archuleta y Joshua Fauver. Durante los quince años de su actividad profesional, han permanecido fuera de esa necesidad que atrae a tantos artistas que consiste en ser el centro de atención en ámbitos personales –véase el sonado asunto entre Kim Kardashian, Kanye West y Taylor Swift– dejando la música aparte para tener su momento de fama. Esta es quizás la causa por la cual son muy poco conocidos y su música tiene poca difusión en países fuera de los Estados Unidos (una prueba de ello: ninguno de sus álbumess o EP’s tienen artículo en es.wikipedia.org). El motivo de esta reseña, es invitar a los lectores a conocer a esta agrupación tan inusual y talentosa; por lo cual, escribo sobre un trabajo un tanto más digerible y un poco menos experimental: Halcyon Digest.

Tétrica portada del álbum

Este álbum, publicado en el 2010 es una pieza difícil de clasificar. Desde composiciones con una gran influencia en el rock psicodélico (Don’t Cry, Basement Scene), canciones con tonalidad pop (Memory Boy), y piezas semejantes al rock alternativo al mero estilo de Joy Division (Desire Lines). Esta diversidad complementa al disco y lo convierten en una pieza inolvidable y un poco extraña.

Lo único en común el conjunto de melodías es el gran pesimismo lírico transmitido por la expresiva voz de Cox. Basta con escuchar la letra de Helicopter para ver de qué hablamos:

Take my hand and pray with me

My final days in company

The devil now has come for me

And helicopters circling the scene

[…]

No one cares for me

I keep no company

I have minimal needs

And now they are through with me

También podemos apreciar Basement Scene, que relata una triste visión acerca del gran temor al olvido:

[…]

Dream, a little dream

About your friends and their endings

Now I wanna wake up, I wanna wake up

I wanna wake up now

It could be the death of me

Knowing that my friends will not remember me

I wanna get old, I wanna get old

I wanna get old

[…]

Para ser empáticos con Cox y sus composiciones, que también es guitarra principal de la banda, debemos conocer un poco de su biografía que resulta perturbadora hasta cierto punto. Nacido con el desorden genético del Síndrome de Marfan, dejó la preparatoria después del divorcio de sus padres. Actualmente luce un físico bastante enfermizo, parece padecer de anorexia o algún otro trastorno alimenticio. La muerte de su hermano lo afecto tanto que dedicó canciones como T.H.M a su difunto compañero. Miles de etiquetas lo acompañan, desde gay hasta asexual. Pero todo lo anterior, no tapan su gran talento como músico, siendo el principal compositor y vocalista de Deerhunter.

A pesar de ser músicos pocos conocidos para el consumidor de musical, la crítica los ha aclamado casi unánimemente y Halcyon Digest fue considerado como uno de los mejores álbumes del 2010.

Este quinto álbum de estudio de la agrupación estadounidense posee una impresionante calidad instrumental. Contando con guitarras, percusiones, armónicas, bajos y saxofones; cada canción logra un clímax inigualable gracias a la armonía creada bajo el conjunto de estos instrumentos. La pieza que brilla en este sector es el sexto track: Desire Lines. Aunque cabe aclarar que todas las canciones de este álbum producen una sinfonía bastante agradable para el oído, en especial cuando se escuchan con audífonos.

Ahora que hemos escuchado un fragmento de este disco corroboramos que es imposible categorizarlo dentro de algún género musical ya estandarizado. Sólo nos queda disfrutar de él.

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Unknown Pleasures - Joy Division

El álbum debut de Joy Division publicado en junio de 1979 es el antecedente de lo que hoy en día conocemos como rock alternativo.  

Una de las composiciones más complejas de la década de los 70’s, que se ha categorizado como un disco de culto, ha impactado a la audiencia y a una multitud de músicos (como Nirvana, Pixies, U2, etc.) gracias a la potente lírica del vocalista Ian Curtis.

Es imposible comprender esta pieza musical si no conocemos su trasfondo. Curtis, el principal compositor del grupo mancuniano, fue un ferviente admirador de Bowie, The Velvet Underground e Iggy Pop en el campo de la música, pero fuera de éste, sus mayores influencias fueron Kafka, William Burroughs, Hesse y Sartre. Epiléptico y depresivo, Ian relataba sucesos autobiográficos y atormentadores dentro de las canciones presentes en este trabajo. She´s Lost Control es el ejemplo más claro: relata cómo presenció a una chica epiléptica sufrir un ataque frente a él.

Disorder es la “presentación” de la agrupación frente al mundo. Comienza con la batería de Morris, continúa con el bajo de Peter Hook, se adhiere la guitarra de Summer y la voz de Curtis penetra en un auge instrumental.

She's Lost Control

A pesar de ser calificado como un álbum post-punk, su sonido marcó a una generación y se conformó como un pilar del alternative. El instrumente predominante es el bajo, que comúnmente da pie a los tracks y marca el ritmo de éstos. La guitarra y la batería no se quedan detrás, sin embargo, no sobresalen como se acostumbra en el rock. La voz grave de Curtis les da una tonalidad distinta a las melodía agregándoles melancolía, y en algunos casos, indiferencia.

Industrialización, sufrimiento y la deshumanización de Inglaterra fueron tópico a tocar en este disco. Oscuro e intrigante, se convirtió en un himno de la juventud en aquellos entonces. La demanda fue grande, aunque lamentablemente ha disminuido y se ha convertido en una pieza escuchada (y apreciada) sólo por melómanos.

Rápidamente el público conoció a Joy Division, gracias a su innovador y particular estilo; separándose de lo anteriormente establecido y sin ninguna influencia directa (especificamente en su sonido) fueron alabados por la crítica y marcaron una “era” musical, a pesar de su poca duración. Un año después de la publicación de este álbum, Ian Curtis se suicidó. Las causas son aún desconocidas, sin embargo se asume que sus problemas personales, su adicción a los fármacos, y su salud cada vez más agraviada debido a la gran cantidad de conciertos fueron causa de esta tragedia.

Existe una probabilidad muy grande de que a primera instancia el disco no sea de tu agrado. Es común. No es un trabajo digerible, debes dedicar un tiempo para sumergirte en las letras y su ritmo. Una vez que conoces el trasfondo y lo escuchas (e inclusive analizas) por segunda vez, te fascinará. Recomendado para adentrarte en un universo nuevo, para saber qué es música: para comprender la música de hoy, debemos conocer las composiciones de ayer.

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The Bends - Radiohead

Gracias al hype generado por los nuevos sencillos Burn the Witch y Daydreaming, junto a la ansiosa espera del nuevo disco de Radiohead, he decidido reseñar el día de hoy uno de sus trabajos más enigmáticos, un pilar del rock alternativo: The Bends.

El segundo álbum de estudio de Radiohead, publicado en 1995, nos presenta una de las composiciones más complejas y variadas de la agrupación británica. No se concentra en ningún tema en específico: se habla de la soledad, de la sociedad de consumo,  y de la muerte; y todos estos tópicos son interpretados con la gran voz de Yorke y la guitarra de Jonny Greenwood.

Un disco que logra que el one-hit wonder, Creep curiosamente odiado por sus propios compositores, de su álbum anterior quedara en el olvido. Aunque irónicamente, ahora la víctima del auto-veto de Radiohead fue High & Dry, una de las pistas más suaves y sencillas del este trabajo.

Las habilidades de los músicos son probadas en canciones como en Just y The Bends, donde apreciamos la gran guitarra de Jonny Greenwood; en Bones apreciamos la gran facilidad con la que Thom Yorke puede realizar el falsete; y prácticamente en todas las canciones podemos observar el buen trabajo de Phil Selway en la batería, sin dejar a un lado al bajista Colin Greenwood. Un álbum donde todos y todo destaca, desde su extravagante portada, pasando por los instrumentalistas y terminando por sus canciones: todas con  su profundidad intelectual.

Uno de los tracks más destacado es Fake Plastic Trees, una metáfora clara de la metamorfosis del hombre moderno en algo no más original que una botella de plástico; la superficialidad de las relaciones humanas; lo que es vivir en una sociedad plástica, carente de significado y víctima del consumismo. Una deprimente melodía que sólo requiere unos cuantos acordes para hacer reflexionar al melómano.

Bones, breve y curiosamente con algunas líneas inspiradoras, cuenta con un gran riff de una nota muy punzante y un estribillo de gran calidad, aunque abusa de guitarras distorsionadas, sigue siendo un buen tema que nos muestra la habilidad vocal de Yorke.

Street Spirit (Fade Out) es prácticamente un poema trágico, una canción pura y desesperanzadora. Quizás la canción más deprimente de Radiohead: un túnel oscuro sin luz al final que representa toda emoción trágica. Una melodía tan nociva que sólo el sonido puede definirla. Una visión pesimista sobre el inminente futuro de cada miembro de la humanidad. “All these things will one day swallow whole” representa a la totalidad emocional sumergiéndose. Esta canción, con un mensaje filosófico más alto de lo percibido puede ser representado con una cita de Nietszche: “Si miras directamente el abismo, el abismo también mirará directamente hacia ti”. El mismo Yorke reconoce que es una canción que él no escribió, que junto a los demás integrantes de la banda, es únicamente un mensajero, un catalizador biológico.

Sin lugar a dudas, The Bends es uno de los mejores discos de los 90’s, inclusive mejor que Nevermind. Define lo que es el rock alternativo, y antecede a trabajos más experimentales del conjunto inglés. Aclamado por la crítica y la audiencia, Radiohead se da a conocer.

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The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars - David Bowie

En el año 1972, un joven inglés poco conocido, llamado David Robert Jones, con la publicación de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, revolucionó el transcurso de la música, al crear a un personaje andrógino, el entonces, y ahora aclamado Ziggy Stardust, que trascendió del álbum en sí, y dio reconocimiento mundial a su compositor. Además de ser el disco más icónico de la historia del glam rock y convertirse en uno de los mejores en la historia, innovó el método de realizar conciertos, con Bowie y demás intérpretes del disco –Ronson, Bolder, y Woodsmansey– caracterizados de los personajes mencionados en el trabajo más conocido  de Bowie, y considerado por algunos como su ópera prima.

Portada a cargo del fotógrafo Brian Ward

El tema principal de la obra, es la llegada de Ziggy Stardust, a la Tierra como, autodenominándose como un “Mesías del Rock”, prometiendo salvación a los habitantes de la misma, ya que en cinco años, ésta verá su fin. La narración continúa con Lady Stardust, canción en la que se habla de la admiración que éste (¿ésta?) recibe por parte del público gracias a travestirse en sus conciertos. Ziggy y su banda The Spiders from Mars, cumplen sus sueños (Star) de convertirse en estrellas del Rock, y tener a miles de fanáticos a sus pies (Hang On to Yourself). La decadencia de Ziggy comienza gracias a su ego y éste provoca que disuelve su grupo músical. Después de abandonar a sus compañeros del grupo, en Suffragette City, se describe que también abandona sus propósitos, y ahora sólo se interesa por las drogas. Nuestro personaje toca fondo y se convierte en un Rock ‘n’ Roll Suicide. Parte de la última pieza del disco está inspirada en un poema de Machado “Time takes a cigarette, puts it in your mouth, then you pull on a finger, then another finger, then the cigarette”.

Las demás canciones, no mantienen relación alguna con la historia de Ziggy, y presentan temas totalmente diferentes a ésta. Soul Love refiere a distintos tipos de amor: new love es el amor romántico, stone love es amor hacia seres queridos que han fallecido, y soul love es amor religioso.  It Ain’t Easy, composición original de Ron Davis y única canción del disco no escrita por Bowie, manifiesta las dificultades camino al estrellato.

El impacto social y cultural que impuso Bowie con éste álbum, en buena parte se debió al radical cambio de estilo, separándose de los predominantes desarrollos largos y solos de guitarras en el rock, asimismo, creó un nuevo sonido, gracias al dinamismo de la guitarra de Mick Ronson, y a influencias como The Velvet Underground, consolidando así, el glam rock. Las declaraciones, de en ese entonces Ziggy Stardust, acerca de su homosexualidad (de las que posteriormente se arrepentiría), junto sus extravagantes trajes y actuaciones en el escenario, contribuyeron a la liberación gay.

«No me sorprendió que Ziggy Stardust marcara mi carrera. Había creado una estrella plástica del rock totalmente creíble»

A pesar del reconocimiento global alcanzado con Ziggy Stardust y sus colaboradores, Bowie no se conformó; decidió separarse del grupo, al fin de un concierto en el ‘73 (sin plena anticipación a sus músicos) y únicamente siguió colaborando –por unos cuantos años– con Mick Ronson, su guitarrista de cabecera. Dejó atrás todo recuerdo de esa etapa, inclusive, su estilo cambió de nuevo, adoptando un nuevo tipo de voz. Así comenzó la consolidación de su carrera como solista, a pesar de vivir momentos difíciles, como su fuerte adicción sobre la cocaína, tuvo éxitos constantes y álbumes bien recibidos por la crítica, como Low, Heroes, Station to Station, Aladdin Sane, Lodger, y Diamond Dogs; éste último notablemente influenciado por la novela 1984 de George Orwell. Todo eso, sólo en la década de los 70’s, y sin mencionar los primeros dos discos que público en esta época de experimentación músical: The Man Who Sold The World, un pieza de hard rock, con una polémica portada (que inclusive fue censurada en Alemania y Estados Unidos) mostrando a Bowie con el cabello largo y posando un vestido, la cual no terminó por atraer al público debido a sus prejuicios; y Hunky Dory,  influenciado levemente por la filosofía de Nietzsche y el Hombre Superior, un álbum íntimo que cuenta con composiciones como Changes; Kooks, una canción de cuna dedicada a Duncan Jones, su hijo recién nacido; y la emblemática Life on Mars?, seleccionada por Neil McCormick, crítico musical de The Telegraph, como la mejor canción de todos los tiempos.

Así fue como David Bowie conquistó una década.

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The Dark Side of the Moon - Pink Floyd

The Dark Side of the Moon es un álbum conceptual, de rock psicodélico, publicado en marzo de 1973. Es el segundo álbum más vendido de la historia, con un aproximado de cincuenta millones de copias vendidas alrededor del mundo, sólo detrás de Thriller de Michael Jackson.

Portada original del álbum

En sus canciones se tratan temas poco recurrentes en el mundo de la música, como el consumismo, la muerte, el envejecimiento y el deterioro mental. El álbum posee una fuerte influencia por parte de Syd Barrett, fundador y ex vocalista de la banda. Su partida se debió a una fuerte adicción a las drogas y el daño mental que éstas le produjeron a su cerebro. Este suceso marcó un antes y un después en el estilo de la banda, volcándose al uso de sintetizadores y demás herramientas e instrumentos electrónicos, dándole un toque progresivo a sus nuevas composiciones.

Si bien, es un disco bastante popular, muy pocas personas conocen a fondo lo que éste intenta transmitir.

Su canción Time, que comienza con el sonido de numerosas alarmas, nos relata –de manera un tanto filosófica– el deterioro del tiempo en nuestra vida, y cómo éste se desvanece antes de que podamos actuar al respecto, para alcanzar nuestros sueños. En la canción, hay varias líneas que nos invitan a la reflexión, algunos ejemplos son las siguientes: “No one told you when to run, you missed the starting gun”, esta metáfora nos dice que en la vida, a excepción de nosotros mismos, nadie nos dirá cuándo y cómo aprovechar el tiempo, y justo cuando pensamos en ello, ya hemos perdido demasiado. “Waiting for someone or something to show you the way” nos confirma lo anteriormente mencionado, acerca de que no encontraremos a nadie que nos indique cuándo dejar de malgastar el tiempo. En el momento de la canción cuando escuchamos “You are young and life is long, and there is time to kill today”, se muestra una falta de preocupación (o de importancia) en nosotros, acerca del tema tratado en la canción, ya que somos tan necios para creer que tenemos todo el tiempo que queramos para obrar y buscar cumplir nuestros objetivos. Más adelante, hay otra frase que confirma nuestra necedad e indiferencia ante el transcurso de los días, meses y años, en la que se escucha: “And then one day you find ten years have got behind you”. En ese momento, descubrimos se está agotando nuestro tiempo y posibilidades de actuar.

Time no es la única canción que posee un mensaje altamente filosófico en el presente álbum, The Great Gig in the Sky está altamente inspirada por la tristeza y el impedimento de la muerte. Asimismo, Brain Damage –notoriamente– habla acerca del daño y deterioro cerebral (inspirado por el caso de Syd Barrett), nos narra el comportamiento de un lunático, y cómo el narrador lentamente se convierte en uno, al igual que el personaje del inicio de la canción.

Este es un disco, que para poder disfrutar al máximo, se debe escuchar en un orden lineal, para apreciar sus perfectas transiciones. No debemos realizar ninguna otra acción, a excepción de disfrutar su innovador estilo (innovador, ya que nunca se había hecho nada similar hasta que éste apareció en 1973). Te debes dejar envolver por la música y viajar a través de sus letras. 

Integrantes de Pink Floyd

Un disco que vale la pena comprar, reflexionar acerca de su trasfondo y metáforas, al igual que comentar con los demás. Ampliamente recomendado, ya que en mi opinión, es uno de los discos más emblemáticos de la historia, debido a que revolucionó el proceso creativo y el estilo musical, no solo del rock, sino de la música en general.