lunes, 27 de junio de 2016

Breve introducción a la obra de E.M. Cioran

Emile Cioran fue un «pensador orgánico» rumano, cuya obra está caracterizada por pesimismo, repulsión hacia las masas, y una particular visión en la que el arte funge como el único motivo para no suicidarse. En sus libros describe poéticamente sus obsesiones y aquello que lo atormenta.

Nace el 8 de abril de 1911 en un pueblo a las afueras de Transilvania. Tuvo una infancia feliz, aunque siempre estuvo marcada por la melancolía. No sufrió ningún trauma que pudiera justificar su extremo odio y temor a los demás.

Desde pequeño fue unzufrieden (depresivo), lo cual siempre lo ha dejado con una sensación de vacío en su interior, y con dificultades para lograr el entusiasmo. Su insomnio fue otro factor que se sumó a esta desgracia.

En 1932 se matricula en filosofía y dos años después, con tan solo veintiún años de edad, publica En las cimas de la desesperación, obra en la cual utiliza aforismos con una longitud considerable para plasmar todo lo que aborrece.


Emil Cioran
En las cimas de la desesperación recolecta los pensamientos de sus pensamientos como un filósofo, que a pesar de su corta edad, ya detesta la vida. Consta su insignificancia en el universo, y en el mundo mismo. Al realizar esta lectura, podríamos asumir que Cioran padece de anhedonia (incapacidad de disfrutar la vida), sin embargo explica por qué se siente desolado y miserable, y por qué todos nos deberíamos sentir así. Escribe que sólo es feliz quien no piensa más que lo estrictamente necesario para vivir, y tiene toda la razón, ningún idiota es triste. Cuando ahondamos en cuestiones metafísicas o nos interrogamos la relevancia de la humanidad, comprendemos que vivimos en un absurdo y que lo que hagamos no importa a nadie más que a nosotros mismos y a nuestro diminuto círculo social. Cuando pensamos, nos preguntamos para qué vivimos, si no es tan sólo para consumir oxígeno y seguir las normas impuestas por la sociedad, las cuales nos dictan lo que es correcto y lo que no lo es. Mientras más nos esforcemos, más insignificantes son nuestros logros; el humano no conoce la trascendencia ya que todo será polvo, y nada de lo que hayamos hecho, habrá importado. El ser sufre porque despierta de sí mismo.

La soledad cósmica es un concepto incorporado para explicar la banalidad de la existencia: este sentimiento deja atrás la soledad individual (en la cual padecemos un tormento interno meramente subjetivo) para dar paso a una sensación de una nada objetiva; como si el mundo hubiera perdido todo su resplandor para evocar la monotonía esencial de los cementerios. A pesar de esto, el autor menciona que no es necesario jerarquizar los distintos tipos de soledad, ya que estar solo es lo suficientemente malo.

El pensamiento verdadero se parece a un demonio que perturba los orígenes de la vida, o a una enfermedad que ataca sus raíces mismas.

El suicidio no sólo es un tema importante en esta colección de aforismos, sino algo relevante en toda la obra de Cioran. Esta lectura funciona a modo de prólogo a una de las mentes más decepcionadas y angustiadas de la filosofía. El rumano establece que los suicidas son unos cobardes, debido a que su acto no es una rebelión contra la vida, sino una burda excusa para dar a entender que no soportaron las causas viscerales que los llevaron a esto. A quienes cometen esto los respeta como personas, porque sólo ellos experimentan grandes transfiguraciones a lo largo de su vida y tienen grandes pasiones. Los admira. ¿Por qué Cioran no se suicidó? Nos responde que la muerte le genera la misma repugnancia que la vida, cuando se encuentra al borde de dar aquel paso irreversible, siente en ese momento debe gritar, dar un aullido para consternar al universo, y que mejor manera de gritar que escribir.

El amor nacido del sufrimiento es el amor verdadero, así como la sabiduría que proviene de la desgracia. Ese amor que nace del desapego hacia los demás, aquél que nace cuando no nos queda nada. Esta definición nos hace ver como algo negativo y doloroso aquello que nos fue pintado como la perfección. Asimismo, menciona que en cierto grado es peor que la indiferencia, ya que nadie se ha suicidado porque le parecen indiferentes las condiciones de su vida, mientras que hay innumerables ejemplos de individuos que lo hicieron por amor.

Otro elemento presente en la obra de este autodenominado «pensador orgánico» es el ateísmo. Menciona que los cristianos no comprenden que Dios está aún más lejos de los hombres de lo que ellos están de él. Agrega que si el sufrimiento sirviera criterio, multitudes de seres humanos tendrían más derecho que él a considerarse hijos de Dios.

Anciano afligido - Van Gogh
La eternidad es otra obsesión explayada en su obra. Ésta nos hace vivir sin añorar ni esperar nada; la percepción del devenir resulta de la insuficiencia de los instantes, de la ausencia de oportunidades y tiempo para hacer lo que nos plazca.

Su obra está influenciada por filósofos como Schopenhauer, Chestov y Nietzsche, y su lirismo por autores de gran importancia en la literatura universal como Shakespeare y Dostoievski.

Rechazó todos los premios literarios que le fueron otorgados, como el Saint-Beuve de ensayo, entre otros.

Fue uno de los pensadores más fieles a lo retratado en sus libros: no tenía interés por socializar con los demás (en Conversaciones menciona que únicamente mantenía correspondencia con cuatro personas), le gustaba pasear por los cementerios, llegó odiar tanto a su país natal que nunca volvió a él y renunció a su lengua materna, adoptando el francés como primera lengua; y despreciaba su propia obra.


Los seres humanos no han comprendido todavía que la época de los entusiasmos superficiales está superada, y que un grito de desesperación es mucho más revelador que la argucia más sutil, que una lágrima tiene un origen más profundo que una sonrisa.



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Referencias:
  1. Cioran, Emil; En las cimas de la desesperación, Tusquets, México, 2009, 208 páginas (mi edición).
  2. Cioran, Emil; Conversaciones, Tusquets, México, 2012, 264 páginas, con biografía del autor (mi edición).
  3. Cioran, Emil; Breviario de los vencidos, Tusquets, México, 2013, 151 páginas (mi edición).

sábado, 25 de junio de 2016

Rebelión en la granja - Orwell

Un día como hoy, pero de 1903, nació el escritor y periodista británico George Orwell. En conmemoración de su natalicio, el día de hoy presentaré un pequeño análisis, libre de spoilers, de uno de sus trabajos más reconocidos y emblemáticos: Animal Farm. Antes de esto, debemos conocer un poco de su vida e ideales políticos, con el propósito de entender en su totalidad lo que Orwell quiso transmitir con su obra.


Su verdadero nombre era Eric Arthur Blair, nació en Motihari, una pequeña localidad India situada en la frontera con Nepal, y tan sólo un año después, se mudó junto a su madre y su hermana a Inglaterra. En 1922, después de haber terminado sus estudios en el Colegio Eton, se enlistó a la Policía Imperial India en Birmania, con el motivo de conseguir dinero y continuar con sus estudios. Tras cinco años en el cuerpo policía, desarrolla un odio hacia el imperialismo (demostrado en la totalidad de su obra), y vuelve a Inglaterra. Posteriormente vivió en la indigencia, hasta que consiguió un trabajo como profesor y se dedicó a escribir.

Orwell combatió en la Guerra Civil Española, para el Partido Laborista Independiente, con el objetivo de «matar fascistas porque alguien debe hacerlo»¹. Esta fue la experiencia más significativa de su vida, ya que lo ayudó a comprender los medios políticos y el futuro de una sociedad opresora. Comprobó que el fascismo y el comunismo son sólo etiquetas para camuflar una dictadura.

El conjunto de estas vivencias se convirtieron en fuertes influencias en su pensamiento, que fue trasladado a sus libros. 1984 (1949) es su libro más popular junto a Rebelión en la Granja. En ambos se critica totalitarismo y ejemplifican los actos del régimen nazi y el soviético.

Murió de tuberculosis en 1950.

George Orwell
Rebelión en la Granja fue publicada tras grandes luchas contra la censura, en 1945. Una alegoría que retrata el trágico destino de la Revolución Rusa, y expone las crueldades de la Unión Soviética bajo el poder de Stalin; pero esta novela corta, con menos de 150 páginas, es mucho más profunda y se convierte en una analogía sobre la política contemporánea. Independientemente de tu país y su forma de gobierno, es imposible que al leer este libro no te sientas identificado con los tratos que reciben los personajes, y las absurdas leyes de sus superiores.

Los animales de la Granja Manor, motivados por un discurso del viejo Cerdo Mayor, se rebelan ante el propietario de ésta, el señor Jones, y crean sus justas reglas para que todos, sin excepción alguna, gocen de los mismos derechos. Los animales, al comienzo, simbolizan a la clase obrera durante la Revolución Rusa, y el señor Jones representa al zar Nicolás II; a la vez, podemos inferir que el viejo Cerdo Mayor es una mezcla de Karl Marx (por sus ideales) y Vladimir Lenin (por comenzar con el movimiento), he aquí un fragmento de su discurso:

«Solo el hombre consume sin producir. No da leche, ni pone huevos, es demasiado débil para tirar del arado y su velocidad es tan pobre que no le permite atrapar conejos por sí solo. Y a pesar de esto, como dueño y señor de todos los animales los hace trabajar, proveyéndoles el mezquino y mínimo elemento necesario para mantenerlos, guardándose la parte más jugosa para él. Con nuestro esfuerzo se labora la tierra, con nuestro estiércol se abona y enriquece para dar mejores frutos y, sin embargo, no encontrarán uno solo de nosotros dueño de algo que no sea su pobre pellejo. Ustedes, vacas, que están aquí, ¿cuántos miles de litros de leche les han extraído este último año? ¿Y qué destino tuvo esa leche que debió servir para criar terneros robustos y sanos? Hasta la última gota ha ido a parar al estómago de nuestros enemigos. Y ustedes, gallinas, ¿cuántos han puesto este año y cuántos pollitos han sido incubados de esos huevos? El grueso y voluminoso resto ha ido al mercado produciendo dinero para Jones y su gente. Y tú, Clover, ¿dónde están esos cuatro potrillos que has engendrado, que debieron ser sostén y alegría de tu vejez? Todos fueron vendidos al año; no los volverás a ver. La mísera recompensa que recibiste por esas cuatro criaturas, además de todo tu duro trabajo en el campo, fueron tus escuálidas raciones y un miserable pesebre.» (P.23)
 Aquí, se critican los pocos beneficios que la clase trabajadora obtenía de sus grandes esfuerzos, mientras que los burgueses y gobernantes se apoderaban de todo. Se reclama un cambio en el poder, inicia una rebelión en la granja. Si damos un enfoque actual a este discurso, podríamos interpretarlo como una queja hacia los bajos salarios a comparación de la larga jornada laboral en México y demás países latinoamericanos.


 Canción de Lennon relacionada con el tema

Después del exitoso golpe de estado, los cerdos Snowball y Napoleón toman el poder y establecen una serie de siete «mandamientos», con los cuales los animales deben cumplir para vivir en igualdad, sin distinciones entre un animal y otro; esta es la esencia del comunismo: terminar con las clases sociales y abastecerse de bienes nacionales (en el caso libro, con los alimentos producidos por los propios animales).

Adaptación animada de 1954
Snowball, por contar con una ideología diferente a la de Napoleón, es exiliado de la granja y amenazado a muerte. Posteriormente, todos los problemas surgidos en la Unión Soviética (la Granja Manor), ya sean circunstanciales o realmente serios, son atribuidos a este personaje para así generar odio en los habitantes e identificar a un individuo como un enemigo nacional. Debido principalmente a este pasaje, sabemos que Snowball es Trotsky y que Napoleón es Stalin, más adelante esto es corroborado.

Más adelante comienza lo relevante de la trama, lo que convierte a esta breve novela en una sátira sobre la política: la corrupción que surge tras la adquisición del poder. Napoleón se vuelve más exigente e injusto con sus ciudadanos, y la nueva sociedad formada tras el derrocamiento del señor Jones se convierte en una dictadura. Los mandamientos anteriormente mencionados se van modificando para así favorecer a los cerdos (la burguesía), y perjudicar a los demás. En este punto se presenta una óptica atemporal, en la cual se critica a todos los gobiernos habidos y por haber, así mismo, se resalta que la corrupción y la desigualdad son leyes inalterables de la vida política.

La manipulación de cifras y  medios de comunicación está presente, los cerdos dan noticias optimistas sobre los progresos de la granja y mencionan recompensas que recibirán los animales gracias a esto, sin embargo, esto es algo que no se observa y es utilizado como una cortina para engañar al pueblo y hacerlos creer que todo marcha a la perfección. Algo que no es novedoso en el mundo político.

Los mandamientos
Todos los animales, además de los mencionados anteriormente, representan a alguna personalidad histórica o sector social, he aquí algunas de ellas:


·        Squealer: Viacheslav Mólotov (partidario de Stalin) / periódico Pravda.

·         Bóxer: el proletario.

·         Las ovejas y las aves: el campesinado, la masa que sigue al líder.

·         Moses: la iglesia ortodoxa.

·         Benjamín: la clase intelectual.

·         Los perros: la policía secreta de Stalin, la NKVD.

·         Señor Frederick: Adolf Hitler.

·         Mollie: la clase noble zarista.


El final es estremecedor. Algo imposible de anticipar, que invita a reflexionar acerca de la sociedad y los progresos de ésta.

A pesar de contar con tanta profundidad intelectual, y un tanto filosófica, es un libro muy digerible que no presenta dificultades de comprensión. Recomendado para público de cualquier edad, sin importar tu nivel de conocimiento acerca de la Unión Soviética o la Revolución Rusa.


Referencias


1:www.abc.es/archivo/20130625/abci-george-orwell-guerra-civil-201306241730.html

2: Orwell George, 1984, Debolsillo, pp. 331-332 (epílogo de Thomas Pynchon con la biografía de Orwell).

3: Orwell George, Rebelión en la granja, ed. Nuevo Talento, México, 2014, 124 páginas (mi edición).


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domingo, 19 de junio de 2016

La naranja mecánica

En 1962, Anthony Burgess publicó en Londres La naranja mecánica,  novela mundialmente conocida gracias a la adaptación de Stanley Kubrick (1971). La historia comienza en el bar lácteo Korova y gira alrededor de Alex y a sus tres amigos. Los cuatro jóvenes recurren a la ultraviolencia aterrorizando a la población con robos y peleas.


Nuestro narrador, Alex, es un chico de quince años amante del arte, la música instrumental clásica (en especial Beethoven) y a la violencia. Un personaje complejo, el cual habla en un dialecto bastante particular: el Nadsat, una mezcla de ruso y modismos británicos. El líder de la banda de drugos (amigos) conformada por Peter, Georgie y Dim (Lerdo), los cuales, a consecuencia de su mal carácter, lo traicionan y hacen que termine en la staja (cárcel); y no, esto no es ningún spoiler, ocurre al inicio del libro. Ahí, Alex, es seleccionado para ser el primer humano reformado por la técnica de Ludovico, la cual elimina la maldad dentro de cualquier individuo por medio de tortura visual y auditiva.

Una distopía, que ya podría considerarse como un clásico, se tratan tópicos como el libre albedrío, la inseguridad, la libertad, los medios políticos, las variantes del lenguaje, los tratamientos psicológicos de antaño, la modernización social y sus defectos. Estos son representados por el autor utilizando figuras retóricas como la metáfora y la ejemplificación.


La técnica de Ludovico ejemplifica explícitamente el condicionamiento pavloviano (o clásico), el cual consiste en parear un estímulo incondicionado (una droga que causa malestar) con un estímulo condicionado (imágenes, música, etc.) con el propósito de que a través  de la repetición de dicho pareo, el individuo termine respondiendo negativamente o con malestares, a las imágenes visualizadas. En la novela de Burgess, se critica a éste y otros tratamientos terapéuticos de la época, debido al daño físico y psicológico que causan a los seres humanos.


El tema más importante tanto del libro como del filme, ya que es la esencia de la novela, y quizás de la vida misma: la capacidad de elegir. Los humanos, por definición, son libres de elegir sobre cualquier cosa; esta capacidad que fue removida de nuestro narrador, y teóricamente lo convirtió en una máquina, algo que actúa bajo lo condicionado. Esto puede verse como una interpretación del polisémico título: algo tan natural como una naranja es modificado para que trabaje como una máquina, y pierde sus características más notables, al igual que Alex.

La técnica de Ludovico

El libro está lleno de simbolismos y detalles que deben comprenderse para así comprender el mensaje que éste quiere transmitir. Un ejemplo es el nombre de nuestro protagonista. Alex, en latín (a lex), significa fuera de la ley, mientras que Alexander en griego significa defensor de la humanidad. Pero, ¿cómo Alexander DeLarge puede ser considerado como un defensor? En su caso, el lucha por los derechos de la humanidad.

Veintiuno, el número total de capítulos en el libro, en palabras del autor es el número que representa la madurez humana, puesto que al cumplir veintiún años obtienes el derecho de votar y ser responsable de tu propia vida. Este último capítulo fue eliminado en la primera edición norteamericana, el cual cambia rotundamente lo que intenta transmitir Burgess y da pie a múltiples malinterpretaciones.


Kubrick leyó la edición norteamericana con veinte capítulos para llevar a cabo su adaptación, lo cual provocó un enorme disgusto en Burguess, al punto de desear nunca haber escrito el libro. La película es excelente en aspectos cinematográficos, una gran interpretación de Malcolm McDowell, una gran fotografía, y por supuesto, un excelente soundtrack. Con dos millones de presupuesto, logró obtener una estética increíble, y un gran montaje.  Impactante visualmente, y con un lenguaje sin restricción alguna (se utiliza poco el Nadsat) se consolidó como una de las grandes cintas de la historia. El tan polémico final deja un sentimiento de ausencia en aquel que leyó el libro, sientes que falta algo, que no puede terminar así.



Al realizar la lectura, se comprende la idea de Marx de que nada es totalmente bueno ni malo, es la clase dominante quien decide qué es correcto y qué no lo es.

La música, en representación del arte y demás placeres humanos, juega un papel importante en la historia. Alex escucha a Mozart, Back, Skadelig, y admira extremadamente a Beethoven, una vez que ya no puede disfrutar la música piensa en el suicidio y contempla un gran vacío en sí mismo. Si suprimes lo que hace feliz al hombre, éste tendrá tiempo de apreciar los horrores de la sociedad, y comprenderá el absurdo. Esto es lo que le ocurre a nuestro protagonista.

La prosa de Burgess relata crudamente los actos ultraviolentos de los personajes, y sin embargo, nos hace sentir simpatía por ellos.

El Nadsat, claramente representa el lenguaje coloquial y cómo este acaba con el vocabulario al introducir conceptos extraños y poco estéticos. El libro cuenta con un glosario que define este peculiar léxico. Como dato curioso, David Bowie en su último disco (Blackstar), compuso Girl Loves Me en este lenguaje repleto de referencias a esta obra.




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viernes, 17 de junio de 2016

The Witch

The Witch es una cinta “de horror” ambientada en la época colonial de Nueva Inglaterra. Estrenada en el 2015, bajo la dirección del norteamericano Robert Eggers, se presenta una historia completamente distinta a lo que hoy en día nos tiene acostumbrado el horror comercial (películas como El Conjuro, Actividad Paranormal, etc.)

Una familia extremadamente cristiana es exiliada de su pueblo, consecuentemente, se trasladan a un tétrico bosque aislado de cualquier rastro de civilización. Poco después de establecerse en su pequeña granja, su bebé desaparece en el momento que se encontraba jugando con Thomasin, nuestra protagonista. La madre (Kate Dickie) a razón de la muerte hipotética de su hijo menor, sufre una severa depresión, la cual la mantiene día y noche llorando y arrepintiéndose. Para aumentar las penas, la cosecha de maíz se pudre y hace que los seis integrantes de la familia tengan que regular sus alimentos y buscar alternativas para sobrevivir.


Desde la primera escena se da pie a los distintos conflictos presentes en el filme. Ahora que aparentemente Thomasin (Anya Taylor-Joy) ha perdido al bebé, su madre la empieza a acusar de responsable de todos los males que prosiguen. Un ambiente de tensión en el propio hogar es realmente el significado de The Witch. Los dos gemelos, llamados Jonas y Mercy, irritan a sus padres y hermanos; mientras Caleb, el hermano de en medio, en plena etapa de maduración, observa con perversión a su hermana mayor. Wiliam, el padre interpretado por Ralph Ineson, observa con impotencia lo que ocurre a su alrededor.

Impresionante en aspectos técnicos, tanto en fotografía (a cargo de Jarin Blaschke), como en la inquietante musicalización que crea intriga en el espectador.

El punto más fuerte se halla en la ambientación, la trama se desarrolla a lo largo de 1620 y utiliza puntos que refuerzan esto. Los actores utilizan un acento extraño y hablan el inglés antiguo. La cinematografía y los filtros utilizados durante la edición nos transportan a la época colonial; al igual que la particular filosofía de los personajes y su fanatismo religioso.


La película está repleta de simbolismos, los cuales obligan al espectador investigar un poco sobre las brujas para ampliar la experiencia. El ejemplo más sencillo es la cabra negra (Black Philip) que representa a Satanás. Al conocer estos detalles, la historia cobra mayor sentido y ata los posibles cabos sueltos del polémico final.

No se recurre a los sobreexplotados screamers, no se intenta sacar un susto a la audiencia por medio de sonidos estridentes o gritos inesperados; al contrario, se desarrolla la trama al punto que te mantienes al borde del asiento para ver qué pasará a continuación.

La película nos hace formularnos una película acerca de la misma: ¿a qué género pertenece? Catalogada comercialmente como terror, no cumple los requisitos para obtener esa clasificación, no se intenta asustar al público ni causarle disgusto. Tampoco podemos decir que es suspenso, ya que no se presenta ningún tipo de ironía dramática en la cual los personajes no saben lo que ocurre y nosotros sí (la esencia del suspense). Quizás lo más correcto es decir que es cine de arte, ya que se utiliza una analogía (en este caso, la brujería) para retratar un problema que aqueja a la sociedad, mientras se utilizan recursos narrativos innovadores en su género para alejarse del cine comercial y  además, es una película independiente.

Inolvidables fotogramas que nos recuerdan a clásicos como El Exorcista, y crean disgusto y apreciación simultáneamente.



 Una gran dirección en el debut cinematográfico de Eggers, quien con poco presupuesto a su alcance, utilizó alternativas al CGI (Computer-generated Imagery) para hacer una cinta visualmente espléndida. Gran parte de su trabajo se observa en los jóvenes actores, que con menos de doce años, dan una gran interpretación.

Una película que retrata con un toque oscuro los problemas familiares, y utiliza elementos sobrenaturales para agregar dramatismo. Una de las mejores películas de terror en los últimos quince años.





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miércoles, 8 de junio de 2016

Fight Club

Una novela transgresiva, también catalogada como sátira, escrita por el estadounidense Chuck Palahniuk y publicada en 1996. El club de la pelea obtiene mayor reconocimiento gracias a su adaptación cinematográfica bajo la dirección de David Fincher, y estrenada en 1999, un filme que rápidamente se convirtió en contenido de culto.

El título genera innumerables prejuicios, que hacen creer al lector (o espectador, según sea el caso) que leerá acerca de tipos golpeándose sin razón alguna. Cabe aclarar que eso es un deleznable error. El club de la pelea es una elaborada ejemplificación sobre la sociedad y el lugar del hombre moderno en ella.

La historia narrada en primera persona gira alrededor de un sujeto común y corriente, cuyo nombre no es mencionado, consumista habitual, y víctima de las normas que dicta la sociedad. Nuestro narrador, en un viaje laboral, conoce a Tyler Durden, un nihilista que va en contra de todo lo dictado. Pronto enlazan una amistad, y el protagonista se ve influido por los encantos de su nuevo amigo, hasta el punto de fundar un club de lucha clandestino en un estacionamiento (que posteriormente fue mudado al sótano de un bar).



Lo particular de la trama es que ésta no es narrada cronológicamente, ni siquiera en el filme, lo cual agrega dinamismo a la lectura, y curiosamente no revela ningún detalle relevante sobre lo que sucederá más adelante. La novela inicia y termina prácticamente en el mismo punto, relatándonos cómo terminó nuestro personaje con un arma en la boca.

Tyler Durden es un personaje con un nivel de construcción y complejidad asombroso. Existen varios conceptos que lo podrían definir, tales como nihilista y anarquista; pero estas palabras se quedan cortas a comparación de los actos de nuestro personaje secundario. Incluso, lo podríamos considerar un auténtico terrorista que no actúa bajo ninguna ideología, sino bajo una filosofía: la autodestrucción. Tyler está en contra (odia) del consumismo, de Dios, las brechas sociales, la perfección, y la civilización en sí. Esto punto se puede resumir (muy brevemente) con una de las últimas líneas del libro de Palahniuk: Vamos a acabar con la civilización para hacer del mundo un lugar mejor (218). Página tras página, su comportamiento frente a la vida se modifica, y se vuelve más oscuro.

¿Quién fue el verdadero detonante de los conflictos presentados en El club de la pelea? Marla Singer. Una mujer con problemas económico y emocionales que conoce (y se enamora) del Narrador. Ella hace que todo empeore para nuestro protagonista, formando una relación amor-odio con el mismo, y convirtiéndose un obstáculo.

Lo que posees, acabará poseyéndote (54). Un libro dedicado hacia el consumismo, el cual es atacado fervientemente por los personajes de éste. La lectura funciona para abrir nuestra mente respecto a nuestra actuación en la sociedad y a nuestra vida diaria. Palahniuk nos redacta cómo la opinión popular domina nuestras vidas, y nos presenta un escape bastante macabro de estas situaciones.

El Narrador es un hombre que no tiene nada atípico, tiene trabajo estable, un departamento, y muchos muebles de Ikea. Todo marcha sin problemas hasta que sufre de insomnio. Cree vivir en un infierno donde nunca está completamente despierto, ni completamente dormido. Acude a un médico, y éste le dice que si quiere acabar con su insomnio, debe acudir a un grupo de apoyo para enfermos de cáncer, para que vea en realidad qué es sufrir.

Tyler Durden
En breves visitas a un grupo, se convierte en un adicto y se incorpora a otros grupos. Termina fingiendo todas las noches, en distintos lugares, que tiene una enfermedad terminal, y observa la degradación mental y física de todos sus compañeros. Ahora puede dormir tranquilamente, hasta que se topa con Marla (personaje del que ya escribí anteriormente) en varios de esos grupos, la cual hace que nuestro narrador se sienta como un farsante. Ahí es como todo un drama sombrío comienza.

Lo destacado no es que se presente una técnica novelista innovadora, el autor hace mención de que repite la fórmula de El Gran Gatsby –dos chicos bastante diferentes entre sí se quieren quedar con la chica–, lo especial es el enfoque sobre la sociedad (que termina convirtiéndose en otro personaje) que Palahniuk realiza y lo retorcida que se vuelve su narrativa al narrar las peleas y demás escenas grotescas.

La identidad es otro tema relevante en el libro. No sabemos el nombre del protagonista, sin embargo, lo conocemos a la perfección: sabemos qué piensa, cómo es, qué ropa usa, qué labor desempeña, etc. Pero aun así no sabemos cómo se llama. Al leer el libro (o al ver la película) comprenderás por qué su nombre no es mencionado, y por qué este detalle es tan importante. La sociedad regula nuestro comportamiento, y nos hace adoptar falsas personalidades para encajar dentro de ella, y consecuentemente, nuestro verdadero yo desaparece ante los demás, y sólo portamos máscaras de acuerdo a la situación.

Se utiliza la ya conocida tesis que nuestro padre es un modelo de Dios para nosotros, pero es modificada con el propósito de que Tyler nos explique su odio hacia Él y utilice esa filosofía para justificar tus actos.

La autodestrucción es el concepto más importante tanto del libro, como de la película. Presentado como una salida del vacío existencial que sufre el narrador y como una liberación de la angustia que conlleva vivir, logra convertirse en la única manera de obtener satisfacción. (I Can’t Get No) Satisfaction de los Rolling Stones complementa a la perfección la lectura, e indirectamente resume los conflictos del protagonista con el consumo.




La adaptación cinematográfica fue protagonizada por Edward Norton (el narrador) y Brad Pitt (Tyler Durden), en quizás su mejor actuación. Un retrato bastante fiel a la novela, que no olvida ningún aspecto de ésta, aunque se concentre levemente más en la relación entre Marla (Helena Bonham Carter) y el narrador.

Dos finales completamente distintos, pero igualmente emocionantes. Un cambio positivo por parte de Fincher, ya que el final del libro no funcionaría en el cine, y no hubiera tenido el mismo impacto en los espectadores (y viceversa). El final que propuso Palahniuk, igual de bueno, abre la posibilidad de que ocurra algo más, y observemos el gran alcance que el proyecto de Tyler logró.

Material de culto capaz de cambiar la vida y perspectiva de cada lector o espectador. Redundante recomendarlo.





Referencias:

Entre paréntesis las páginas en las cuales aparecen las citas utilizadas en esta reseña.

Palahniuk, El club de la pelea, DEBOLSILLO, 2015 (Mi edición.)



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miércoles, 1 de junio de 2016

No Country for Old Men

No Country for Old Men (o como fue horriblemente traducida: Sin lugar para los débiles), dirigida por los hermanos Coen, acreedora de cuatro Premios de la Academia, y estrenada en el Festival de Cannes 2007, es un thriller que sigue a tres personajes en la frontera estadounidense y su búsqueda por un objetivo en común.

Fernando Savater escribió que los problemas surgen cuando existe un interés compartido¹. Esto se presenta en la raíz etimológica de la palabra. El interés es lo que está entre dos o más personas, lo que las une y las separa. Este es un conflicto que ha aquejado a la sociedad desde su nacimiento, la competencia generada por éste causa estragos a sus alrededores y no posee una resolución optimista. Esto es representado en el largometraje ganador del Oscar a mejor película.



Llewelyn Moss (Josh Brolin) es un ciudadano perteneciente a la clase media que se dedica a la cacería. En una de sus excursiones encuentra una transacción de drogas por parte de un cártel mexicano que ha salido mal. Inspecciona el terreno y sólo encuentra a un sobreviviente, este hombre le ruega por agua, es ignorado. Llewelyn se encuentra con una gran sorpresa: un maletín con dos millones de dólares.

Anton Chigurh (Javier Bardem) es el gran antagonista de la cinta. Un asesino a sueldo contratado para recuperar el dinero. Un perfil psicológico bastante oscuro: asesina sin compasión ni remordimiento a casi cualquier persona con la que se encuentra, sin embargo, no realiza esto sin motivación alguna; sus razones podrían ser consideradas como abstractas. Un verdadero psicópata que funge terror en sus víctimas. Frío y calculador, elimina a todo lo que se imponga en su trayecto.

Un estudio realizado por Science News² en el 2014, clasifica a Chirguh como el psicópata del mundo cinematográfico más real de todos, y es clasificado como un idiopático primario, clásico.
Excelente interpretación por parte de Bardem, que lo hizo merecedor de la estatuilla dorada. Su acento, sus gestos, la forma en la que amenaza a los demás, y hasta su corte de cabello aterrorizan al espectador.



Ed Tom Bell, interpretado por Tommy Lee Jones, es un sheriff al borde del retiro que sigue muy de cerca los actos de los personajes presentados con anterioridad.

Woody Harrelson como Carson Wells nos expone a un cazador de recompensas, que también es contratado para recuperar los dos millones de dólares.
Los narcotraficantes no se quedan atrás y buscan recuperar lo que les pertenece en una trama que se hace cada vez más compleja, y en una persecución cada vez más agobiante.

Una calidad narrativa espectacular, en la cual observamos la historia transcurrir desde tres puntos de vista distintos –Chigurh, Llewelyn y Ed Tom Bell–, los cuales no dejan en claro quién es el protagonista. Cada punto de vista es esencial para observar el perfil psicológico de cada personaje y comprender sus motivaciones. Mientras uno puede ver el momento más crucial de su vida y sus sueños cumplidos si es que logra huir con ese dinero (Llewelyn), otro lo ve como una misión de rutina nada extraordinaria (Chigurh).

Aclamada de forma unánime por la crítica, y con una gran recepción por parte del público, el largometraje se ganó su lugar como una de las películas que pasarán a la historia, y que posiblemente sean categorizadas como una obra de culto

Trailer



A pesar de que la trama sea compleja, todo en el filme es presentado a su debido tiempo, y cada situación es desarrollada de una manera en la cual nunca se llega al tedio gracias al sutil y hábil guion por parte de Ethan y Joel Coen. La tensión se mantiene de inicio a fin, sin que su ritmo disminuya y sin convertirse en las típicas películas de asesinatos sin sentido cada dos minutos.

Con un cierre magistral, que incluye al psicoanálisis de Freud, y nos abre la posibilidad de realizar una interpretación personal sobre qué ocurrió al final. A pesar de terminar de una manera tan peculiar, nada queda al aire y los plot-holes (como en toda la cinta) permanecen ausentes.

Referencias:

1. Savater, Fernando. Política para Amador. España, 1992. Página 32.

2. Psiquiatra Samuel Leistedt en www.sciencenews.org/blog/gory-details/most-and-least-realistic-movie-psychopaths-ever


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